AudioMiraVel

A necessidade da ausência em A mulher sem piano

2011-11-02T18:30:00.000-07:00

Hoje, postando novamente no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: A mulher sem piano (La mujer sin piano, 2009, Javier Rebollo)

Trecho: "Com um roteiro que mescla um cotidiano naturalmente sem atrativos esituações que flertam com o absurdo e o patético, Rebollo transforma as situações em imagens com um estilo visual simples e direto"

O Palhaço e a melancolia chapliniana

2011-10-30T14:01:00.000-07:00

Qual o meu espaço no mundo? Qual a minha missão, minha razão de ser e estar nesse estranho e, por vezes, desesperançado universo? Cada um nasce não para um sentido único, mas para encontrar sua própria direção em meio a tantas outras que parecem concorrer ou divergir do caminho que escolhemos. Por vezes, nós mesmos escolhemos dar um passeio por outras trilhas para tentar nos distanciar de uma reta que parece, às vezes, não nos satisfazer mais.

Segundo longa do conhecido ator global, O Palhaço (idem, 2011, Selton Mello) trata da história de Benjamin, palhaço de circo que segue a carreira do pai, Valdemar, mas que se encontra insatisfeito com sua obrigação em “fazer rir” quando, na verdade, o que mais desejava era ter alguém com quem chorar e desabafar todas as lagrimas que vem carregando há tempos. Andando com seus bizarros colegas de picadeiro pelas cidades, termina passando por diversas situações até que resolve se distanciar da lona do pai para encontrar seu próprio abrigo no mundo dos trabalhos convencionais.

Com um enredo simples, mas entremeado com episódios bisonhos e engraçadíssimos, eles ganham maiores contornos com a tripla jornada de Mello como protagonista, diretor e co-roteirista, que lhe permite adensar a temática e a estética que optou por trabalhar no longa. A direção, se comparada com Feliz Natal e sua câmera nervosa, ganha planos compostos de maneira mais “desenhada” e estável, com travellings que transmitem certa delicadeza e fluidez ao universo circense. Relembrando em certas passagens o cinema de Wes Anderson e Zach Braff tanto nas ideias – as estranhas relações familiares e a descoberta de si mesmo num mundo atemporal e, ocasionalmente, pueril - como na forma de conduzi-las diante do espectador – como em alguns enquadramentos estáticos e na galeria imensa de personagens –, a direção de Mello se aprimora com o elenco numeroso que passeia pela tela.

Enquanto Selton esbanja simpatia e lirismo com seu confuso e divertido Benjamin, Paulo José emociona com um Valdemar esperançoso e dolorido, e a galeria de atores que compõem a trupe e os personagens toscos que encontram de cidade em cidade – que inclui Moacyr Franco, Fabiana Karla e Jorge Loredo em participações mais do que agradáveis. A edição fluida, a fotografia viva e a trilha sonora leve ajudam a compor esse painel patético e esperançoso de uma humanidade que ainda pode se reencontrar olhando para si mesma.

Com uma melancolia quase chapliniana que permeia todo o longa, gradativamente Mello se firma como um dos diretores mais sensíveis do cinema brasileiro contemporâneo, pois compartilha experiências e sensações que atravessam não somente as relações familiares, mas principalmente, o homem por trás da máscara.

Real e paralelo? – Contra o tempo

2011-10-30T12:56:00.000-07:00

O que podemos classificar como mundo real?E quanto às imagens em nossa mente? O que separa um universo do outro? A fantasiae, mais especificamente, a ficção cientifica durante muito tempo trabalharamcom esse tipo de temática que resgata temas de discussão desde a filosofiagrega, como o Mito da Caverna, de Platão. Desde então, debater as relaçõesentre corpo e mente tornou-se tarefa cada vez mais sofisticada nas artes,principalmente o cinema.

Contrao Tempo (The Source Code, 2011, Duncan Jones), apesar datradução cretina, termina se tornando uma bela pérola em meio às tramas simplóriasque inundam os multiplexes. Em meio a uma viagem de trem, um homem chamado Seandesperta do que parece ser um transe e desconhece o que seu corpo estariafazendo naquele lugar, assim como a moça com quem divide o assento do transporte.Absorve cada detalhe do ambiente, tentando encontrar alguma relação com a ideiaque possui a respeito de sua própria história. Aparentemente desmemoriado, o rapaztenta sair do trem, mas é surpreendido por uma intensa explosão que matou atodos os passageiros do trem e o faz acordar numa escotilha com uma certeza:ele não era Sean, mas Colter Stevens, um soldado americano tido como morto naGuerra ao Iraque. Como explica a Tenente Goldwin, aquela explosão aconteceu namanhã daquele dia e sua mente está sendo “implantada” no corpo de Sean,passageiro morto no atentado, para que ele desubra a pessoa que causou aexplosão que o vitimou.

Complexo? Pois é. A trama do longa não éalgo típico do público-pipoca, já que exige mais atenção do que osdescerebrados filmes de Michael Bay para que atinja os efeitos que almeja: darum nó na cabeça do espectador. A princípio, a repetição de situações incomodaum pouco, mas o crescimento qualitativo das emoções envolvidas torna aexperiência ainda mais gratificante. Com uma direção pesada e tensa, Jones trabalhabem com seus atores, deixando-os conduzir a trama complexa em eventos esentimentos: Jake Gyllenhall carrega na densidade da condição de suapersonagem, sem ignorar seu lado de filme de ação; Vera Farmiga torna-se a contrapartidaperfeita para o desespero do protagonista, com uma tranquilidade tensa einstável que se revela mais humana do que se esperava; Jeffrey Wright,infelizmente, termina ressoando clichês de cientistas mais preocupados com aciência do que com os seres humanos; e Michelle Monaghan encanta pela beleza esimpatia.

Com um clímax extremamente competente emtransmitir e emoção da sensação da eternidade de um instante perpetuado namente do protagonista, o diretor, entretanto, termina cedendo a um final felizem demasia, conduzindo seus personagens para um espaço que, diante da ausênciade qualquer explicação, gera ainda mais perguntas, deixando o espectador livrepara construir suas próprias conclusões.

Gigantes de Aço e o abismo ao outro

2011-10-30T12:02:00.000-07:00

Hoje é dia de Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Gigantes de Aço (Real Steel, 2011, Shawn Levy)

Trecho: "Contandocom um dos clichês mais batidos da história do cinema, o roteiro e a direção dolonga ganham pontos somente pelo modo como conduzem os elementos fantásticos danarrativa: a ficção científica torna-se mais próxima da realidade."

Quando as metralhadoras cospem - Adultos Pueris ou Crianças ‘Adultizadas’?

2011-10-16T10:30:00.000-07:00

“Joãozinho, vê se cresce.” “Vocêparece um velho, reclamando de tudo.”. Às vezes, ouvimos comentários desse tipoquando tomamos atitudes que parecem inadequadas à nossa idade. Ou seja, sempreestamos ou outras pessoas estão insatisfeitas com a idade que temos, desejandoa sabedoria e a temperança dos experientes, mas também a jovialidade e frescorda juventude.

No musical Quando as metralhadoras cospem (Bugsy Malone, 1976, Alan Parker),encontramos crianças usando vestimentas, palavras e atitudes tipicamenteadultas ao dar vida à seguinte história: na Nova York dos anos 20, o honesto BugsyMalone e a adorável Tallulah protagonizam uma guerra entre duas gangues pelaposse de uma arma chamada splurge - umtipo de metralhadora que arremessa chantilly.Satirizando os filmes de gângster, este divertido longa ganha leveza no jazz e blues das danças, além de um certo ar nonsense com a presença das crianças que interpretam mafiosos,dançarinas e aspirantes a artistas de uma época marcante e difícil na históriaestadunidense.

Alan Parker conduz com mão leve todasas sequências, deixando as crianças tomarem conta do show e exibirem seustalentos para dançar, cantar e interpretar como se estivessem em um grande musicalde colégio. Apesar de se alongar em algumas sequências que terminaminterrompendo a narrativa em favor dessa exibição de talentos, são poucos ospontos que enfraquecem a excelência do longa em conquistar o público. Contandocom uma Jodie Foster em início de carreira que conduz com maturidade e certadose de ousadia sua Tallulah, Parker nos oferece a oportunidade de conhecer jovenstalentos de uma geração que hoje se leva mais a sério.

Com esse longa, Parker nos leva arefletir sobre quão imaturas e infantis podem ser nossas atitudes diante de umasociedade que sempre parece nos exigir que cresçamos. Por mais que cresçamos emidade ou tamanho, sempre carregaremos dentro de nós mesmos este espíritoinfantil que, com a mesma disposição que erra, deveria estar mais disposta aperdoar e superar as falhas dos outros.

Krámpack e a (des)(re)(anti)coberta da sexualidade

2011-10-15T04:50:00.000-07:00

Desde nosso nascimento, aprendemos anos inserir na sociedade de acordo com as ‘regras’ que regem as mais diversasinstituições de que participamos: trabalho, escola, universidade e,principalmente, a família. Por ser o celeiro onde somos orientados a fazerescolhas, esta instituição se mostra basilar para que definamos nossaidentidade, nossa profissão e nossa sexualidade. Contundo, nem sempre este tipode preferência surge de maneira clara quanto se imagina.

Em Krámpack (2000), conhecemos a históriade Dani, que, durante a viagem de seus pais, convida Nico, seu melhor amigo,para passar o verão em sua casa. Durante esse período, ambos paqueram Berta eElena, duas garotas eu moram na cidade, conhecem Julian, um escritor quetrabalha com o pai de Dani, tem conselhos com Marianne, a empregada da casa, ecom Sonia, a professora particular de Dani. Nesse entremeio, Dani conhece, ou aprende a re/desconhecer suasexualidade ao começar a desejar Nico como mais que um amigo.

Com um roteiro simples e linear,escrito por Tomàs Aragay e Cesc Gaycom base na peça homônima de Jordi Sánchez, o diretor Cesc Gay permite que oseu elenco ganhe maior destaque na narrativa, já que sua trilha sonora agradável e juvenil, sua fotografia colorida em tons pastel e sua montagem fluida jamais sobrepujam oenredo. A dupla que protagonista o longa consegue dar conta do recado ao darvida aos dois adolescentes em suas virtudes e contradições, criando doispersonagens que conquistam o público justamente por seu descompasso, suasdiferenças e, principalmente, pelos caminhos desencontrados que percorrem atéreencontrar seu eixo.

Ao final do longa, compreendemos que,para Dani, mais vale manter um laço que não se rompa com as complicaçõesde uma situação amorosa e,ainda mais, pouco importa definir a própria sexualidade em qualquer rótulo que em nada contribua para que viva de uma maneira mais satisfatória.

Capitães da Areia e seus descompassos

2011-10-14T10:19:00.000-07:00

O que entendemos por descompasso?Trata-se de ausência de compasso, de regularidade, de medida entre dois ou maisinstâncias / parâmetros que andam em paralelo, exibindo suas imperfeiçõesenquanto tentam caminhar paralelamente. A partir deste preâmbulo, começo estaresenha afirmando que Capitães de Areia (idem, 2011, Cecília Amado) comporta-secomo uma obra cinematográfica descompassada entre todos os elementos que compõema sétima arte.

Baseada no livro de Jorge Amado, aobra versa sobre um grupo de garotos de rua, liderados por Pedro Bala, quevivem nas ruas da Bahia praticando pequenos furtos e cortejando as prostitutasda cidade. A partir desse mote, temos as várias situações que permeiam anarrativa: o aparecimento de Dora e Zé Fuinha, as brigas com uma gangue rival ea prisão de um deles no reformatório.

Para sua caracterização do romance,Cecília Amado emprega uma bela paleta de cores - que torna ainda mais bela a cidade de Salvador - e uma trilha sonora eclética eagradável - que, na verdade, funciona mais fora da tela do que dentro dela - para construir seu longa, mas parece se apoiar exclusivamente nestasferramentas para trazer um pouco de vida aos personagens na tela. O elenco,formado por não-atores, até tenta se esforçar, mas não consegue, de modo algum,dar vida para os personagens, oferecendo cenas e mais cenas constrangedorasonde as crianças parecem que não sabem o que estão dizendo com aquelas frases.Se, por um lado, posso louvar seu esforço em oferecer um longa que não sejaestrelado por atores globais ou com a “limpeza estética” do padrão Globo dequalidade, percebo que não houve diligência em trabalhar as atuações dosgarotos e, se houve, ele não foi suficiente para conduzir o espectador pelahistória que já encantou tantas gerações na literatura brasileira.

Mesmo que não seja um filme que faça vergonha ao cinema nacional, neste descompasso advindo dainexperiência, a diretora termina por alavancar seu esforço no design visual esonoro da produção, mas termina ignorando o poder que os atores possuem de nosfazer esquecer todos estes elementos coadjuvantes na realização fílmica quandoassistimos a uma que nos toca profundamente.

ET - Vinho Novo em Odres Velhos

2011-10-14T05:52:00.000-07:00

Hoje, novamente no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: ET - O Extraterrestre (ET - The Extraterrestrial, 1982, Steven Spielberg)

Trecho: "Aquele encontro entre dois seres que se sentem diminuídos diante de um mundo adulto e sisudo sempre se renova por que parece sempre se fortalecer quando o vemos novamente"

Sorry About Colonialism - Gran Torino

2011-10-13T10:28:00.000-07:00

Hoje é dia de Cine Lupinha também.

Filme de Hoje: Gran Torino (idem, 2009, Clint Eastwood)

Trecho: "Eastwood ousa muito pouco ao realizar um drama à moda antiga que tenta se retratar de uma culpa estadunidense diante das desgraças infringidas sobre outros povos, como manda os ‘ditames’ do Sorry About Colonialism"

Confiar e a Pedagogia Cultural

2011-10-13T05:54:00.000-07:00

AEducação passou por diversos estágios e estudos ao longo de seu desenvolvimentoteórico e prático, desde as experiências do condicionamento “estímulo-resposta”de Skinner, passando pelo socioconstrutivismo de Piaget ou Vygotsky, chegando àeducação através das novas tecnologias de informação e comunicação.

Dentro desta última vertente, podemosencontra um ramo recente de estudos que mescla comunicação e educação, mastambém os vieses tradicionalistas e progressistas de “ensinar e aprender”,chamado Pedagogia Cultural. Este campo de estudos pesquisa a respeito daspossibilidades educativas das mídias de massa – leia-se televisão, rádio,propaganda, cinema etc. -, concebendo-as como veiculadoras de ideologiascapazes de influenciar fortemente comportamentos, sentimentos e opiniões deseus usuários. Mas que relações podemos estabelecer entre este campo de estudose o filme a ser resenhado? É simples.

Confiar(Trust, 2011, David Schwimmer) versa sobre Annie, uma adolescente de 14 anos ede familiar nuclear tradicional, que mantém contato na internet com um jovem de16 anos, Charlie, conversando sobre as alegrias e frustrações que enfrenta emsua jornada familiar e escolar diariamente. Com o tempo, o rapaz começa arevelar que mentiu sobre sua idade – possui mais de 30, na realidade –,mostrando-se um predador sexual onlinedepois que ambos marcam um encontro ao vivo. A partir deste fato,descortinam-se as misérias de um pai em busca de vingança e uma mãe que seculpa diante do esfacelamento de sua perfeita família.

Revelar estes detalhes do enredo nãose mostra um spoiler muitodisparatado, já que a construção previsível e a direção quase didática deSchwimmer não permitem vôos mais distantes do que a mensagem que desde o iníciose explicita no longa. De forma semelhante a A Vida de David Gale (2003), em que Alan Parker se valia do enredopara defender um posicionamento anti-pena de morte, Schwimmer parece se utilizarde um roteiro, escrito por Andy Bellin e Robert Festinger, que parece parte deuma campanha contra pedofilia na internet, algo como as novelas da Globo têmfeito com maior freqüências nos últimos anos. O trio de protagonistas – Clive Owen,Catherine Keener e Liana Liberato – possui talento para tentar driblar estasarmadilhas, mas parece tudo tão esquemático que se torna um trabalho hercúleotentar oferecer um retrato menos óbvio destas personagens deste filme-denúncia.

Com um simplismo didático que beirao maniqueísmo deslavado, este filme não consegue dar conta de todas ascontradições que o seu tema pode proporcionar, funcionando, de fato, como umrecurso para “ensinar” comportamentos para seus espectadores, principalmente,as adolescentes expostas diariamente aos “males” das redes sociais. Não procuro aqui desmerecer a educação ou seus pressupostos, mas discordo explicitamente do fato de se empregar suas estratégias de maneira fragilizada, procurando "isentar" os espectadores da possibilidade de pensar por si mesmos sobre a temática desenvolvida no longa ao oferecer um discurso "pensado e mastigado" para que eles possam simplesmente digerir e reproduzir ad infinitum.

Larry Crowne e o ser óbvio

2011-10-10T08:13:00.000-07:00

Hoje é dia de Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Larry Crowne (idem, 2011, Tom Hanks)

Trecho: "Um dos maiores problemas do longa reside no roteiro frouxo e sem criatividade de Tom Hanks e Nia Vardalos, que, surpreendentemente, entregam os diálogos e situações mais óbvias que poderiam acontecer em um filme"

Apimentando a Comédia Romântica - Amizade Colorida

2011-10-10T07:03:00.000-07:00

Todoano temos nossa cota de comédias românticas para as moçoilas que querem seapaixonar pela enésima vez no cinema, desde Aconteceu Naquela Noite, passandopor Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, até chegar em 500 Dias com Ela. Por maisque os clichês sempre rondem este gênero, às vezes surge um filme que utilizacom tanta maestria os elementos clássicos deste filmes geralmente açucarados,raramente desesperançados.

EmAmizade Colorida (Friends With Benefits, 2011, Will Gluck), Dylan e Jamierompem com seus respectivos namorados e passam a evitar relacionamentos até quese conhecem por uma oportunidade de trabalho: Jamie é uma caçadora de talentosque, a serviço da revista GQ, recruta Dylan para fazer parte do expediente do periódicocomo diretor de arte. Quando a amizade entre ambos cresce, surge, então, aproposta indecente: que tal dar um passo a mais no relacionamento e virar fuck buddies, ou seja, sexo sem nenhumcompromisso amoroso?

Claroque ambos aceitam a empreitada e não precisa ser vidente para saber como sedesenrolará a trama nem seu desfecho, mas o que surpreende e conquista oespectador são os divertidos e rápidos diálogos criados pela trinca KeithMerryman, David A. Newman e Will Gluck. Oriundos da televisão, os roteiristasoferecem ao roteiro uma velocidade incomum para as comédias românticas, além deuma quantidade grande de situações e piadas que surgem da boca dosprotagonistas. Gluck, como diretor, consegue focar na química entre os doisprotagonistas – Mila Kunis e Justin Timberlake -, trazendo alguns coadjuvantesde luxo – Patricia Clarkson, Woody Harrelson, Jenna Elfman e Richard Jenkins - que,se não fazem muita diferença no enredo, pouco atrapalham seu desenvolver.

Mesmoque não seja uma revolução alleniana ou kaufmaniana no gênero, é inegável oprazer de encontrar vida inteligente por trás de um gênero já desgastado pelas Roberts,Ryans, Stiles e Heigls da vida.

Premonição 5 e as Narrativas Seriadas

2011-10-10T06:16:00.000-07:00

Asnarrativas seriadas fazem sucesso desde o início dos folhetins e cinejornaisque, alimentando as expectativas do público com dramaticidade e tensão, procuravammantê-lo imerso em uma narrativa que apresentava elementos quase semprereconhecíveis na história contada. Como já foi dito na resenha de Os Smurfs(The Smurfs, 2011, Raja Gosnell), vivemos em uma Cultura do Remix, ou seja, em queestamos procurando sempre aspectos familiares em todos os produtos queconsumimos.

Em Premonição 5 (Final Destination 5,2011, Steve Quale), encontramos exatamente a mesma história em cada um dos filmes,diferindo somente os protagonistas e os espaços onde a ação se desenrola: um(a)jovem viaja para algum lugar com um grupo de pessoas, tem uma visãopremonitória em que todos morrem e traz um grupo de pessoas junto com ele.Estas pessoas, depois de terem ‘enganado a Morte’, começam a ser mortas uma auma das maneiras mais absurdas através de estranhas coincidências. Se, noprimeiro filme, a novidade fez seu sucesso, a partir do segundo, a fórmula jáhavia estabelecido e só fez descer ladeira abaixo. Neste quinto, um elementointeressante oferece um renovo para a desgatada narrativa: o humor.

Oroteiro de Eric Heisserer, despontando no ramo do terror, traz um certo humornegro em alguns momentos, pois seus personagens parecem se divertir com asituação em que se encontram e não se podam em nos ‘torturar’ com a tensão denossa expectativa em saber como vai acontecer a morte de cada um dospersonagens. E quanto a Steve Quale, pupilo de James Cameron, não se intimidoude seguir os passos do mestre e tornou o filme uma experiência divertida, aindaque descartável. Entendeu que, para gerar identificação com as personagens, nãoprecisava mostrar sempre eles sofrendo com sua condição, mas o ridículo tambémteria seu espaço. Quanto ao elenco, todos eles conseguem dar conta do recado,criando personagens que, se não são inesquecíveis, conseguem marcar pelo tempodo filme. Mas os elementos que chamam realmente a atenção são as cenas de ação esuspense – como a destruição da ponte em obras e as primeiras mortes, assimcomo a reviravolta final.

Premonição5 funciona por ter consciência de não precisar se levar a sério e por se fazersempre reconhecível pelos elementos que o consagraram, como as váriasnarrativas seriadas com que nos deparamos ao longo de nossa jornadaaudiovisual, repetindo o mesmo discurso: ninguém MESMO engana a Morte.

O humor do/com/para o Outro - Alô, Alô Terezinha

2011-10-02T12:09:00.000-07:00

O que é ser engraçado? De onde vem a sensação o queme conduz ao riso? Por que sinto a necessidade de rir de determinadas pessoasou situações? De onde vem meu senso de humor? Onde preciso começar e terminarmeus momentos de seriedade e irreverência? Ao transferir esses questionamentos paraa forma como observamos o outro, pensamos em uma questão essencial paraembarcar em uma sessão do longa a ser resenhado: o que acho engraçado no outro?

Alô, Alô Terezinha (idem, 2008, Nelson Honieff)conduz o espectador pelos diversos personagens que passaram pelos programasDiscoteca / Buzina / Cassino do Chacrinha: as sensuais e alegres chacretes, oselogiados ou ‘buzinados’ caloruos, além dos cantores que ascenderam graças aoapelo popular e carnavalesco do comunicador que fez história na televisãobrasileira. Ou seja, são pessoas famosas como Rita Cadillac, Biafra, Beth Carvalho e Alcione, ex-famosos como LoiraSinistra e Índia Poti, mas também os anônimos Manoel de Jesus e Abacaxi oferecendo depoimentos sensíveis e, às vezes, esculachados não somente sobre Chacrinha, mas também sobre as situações que viveram durante o tempo em que participaram de seu programa e como vivem nos dias de hoje.

Desde as cenas iniciais, percebemos que Hoineffconstrói um documentário pouco convencional, ao expor seus personagens aoridículo constantemente, explorando seus vexames e contradições diante dascâmeras, tornando-a praticamente sua melhor testemunha. Em sua montagem mordaze cruel, ele utiliza cenas que deram errado – como uma Elba Ramalho que esquecea letra da música que cantava ou um Biafra atingido por uma asa delta -,personagens em situações constrangedoras – como o ex-calouro Abacaxi cantandoensandecido no meio da rua ou uma ex-chacrete nua posando em um chafariz – e depoimentoscontraditórios – como as diversas falas sobre os affairs que o comunicadormantinha com as dançarinas ou, principalmente, seu “Rosebud” particular “Quem éTerezinha?” – para desconstruir com todas as bases ‘éticas’ dos documentáriosconvencionais.

Ao fazê-lo, Hoineff utiliza-se de um humor escrachadoe despretendido que atende os pressupostos que regiam o próprio estilo deChacrinha: o caos, o imprevisível, a inversão de expectativas. Nessaperspectiva, ele trata a vida como um grande programa de auditório carnavalesco,ou seja, uma grande festa onde vale somente se divertir com o grotesco, oexcêntrico que o Outro representa. Se Hoineff foi antiético, preconceituoso edesrespeitoso, digo que ‘sim, um pouco’, entretanto, estaria mentindo se lhesdissesse que ele não me fez rir com as incoerências e pateticidades de suaspersonagens. Assim somos nós: rimos daquilo que reconhecemos tão ridículo emnós mesmos.

Detroit Rock City e a idolatria nossa de cada dia

2011-10-02T11:32:00.000-07:00

O ser humano, em suas sensações de inferioridade,cria ou adora mitos que o conduzam a algum estado de êxtase superior aocotidiano banal e prosaico com que precisa lidar. Se, na Antiguidade e IdadeMédia, emergiam os diversos deuses da Mesopotâmia e Egito, passando pelo Deusdo cristianismo, pelo Alá do Islamismo, chegamos, a partir da Idade Moderna, aohomem que enfatiza o olhar para si mesmo, para o “deus” dentro de si mesmo, emsua racionalidade. A famigerada Pós-Modernidade, entretanto, começa a propagara descrença em possíveis valores absolutos, como Razão, Fé ou qualquer coisa dogênero. Quem são, portanto, os novos mitos que adoramos? Os pop-rock-disco-reggae...stars,as celebridades instantâneas, e, em tempos de Youtube, Facebook e similares, AVIDA ALHEIA.

Apartir deste preâmbulo, não fica muito difícil perceber o subtexto presente emDetroit Rock City (idem, Adam Rifkin, 1999), uma comédia absurda edivertidíssima que versa sobre quatro jovens no final de sua adolescência que,em sua veneração inabalável pelo grupo KISS, parte para Detroit para assistiraquele que seria o show de suas vidas. Os quatro jovens, em suas personalidadesdistintas, se complementam e se ajudam nas encrencas em que se metem ao longo dajornada: enquanto Jam chega mais perto de ser nosso protagonista ao ter seu sofrimentoem não conseguir enfrentar sua mãe católica ortodoxa e fumante compulsiva maisdestrinchado, os outros se dividem entre o desprendido e revoltado Hawk, olerdo Trip e o nice-guy Lex. Cada um, a seu modo, procura encarar ospreconceitos com aqueles que não entendem seus sentimentos em relação ao grupo deroqueiros conhecidos como demônios, bichas, baderneiros, dentre outrasnomenclaturas pouco elogiosas.

Dentreas inúmeras personagens e situações arquitetadas pelo roteirista Carl V. Dupré – conhecido porfilmes B de terror, experiência utilizada em determinada sequências do longa -, Rifkin usa sua versatilidade como ator, escritor e produtor para dirigir umlonga com uma velocidade e uma qualidade pop bem MTV. Ou seja, a direçãoatualiza as conquistas da geração do final dos 70 para um novo público aotrazer numa linguagem juvenil e dinâmica ícones da época como Burt Reynolds, AsPanteras, MAD Magazine, Star Wars e outros que fizeram a cabeça de seus pais. Alinguagem de desenho animado nonsensefaz a festa com um maniqueísmo alucinado e, às vezes, expressionistaproporcionam o ponto de vista dos jovens sobre suas próprias descobertas esensações do que significava ‘ser jovem nos anos 70’.

Compersonagens cativantes e divertidos envoltos em uma trama cheia de peripécias eabsurdos, Detroit rock City é uma boa pedida para um sábado à noite regado amuito rock setentista para reviver uma época. Se o homem um dia foi chamado deservo, fiel, adorador de seus deuses, hoje, ele encara uma nova nomenclaturadiante de seus deuses: fã.

Premonição 2 e os dejavus das franquias

2011-09-30T12:25:00.000-07:00

Hoje, postando a pedido do Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Premonição 2 (Final Destination 2, 2003, David R. Ellis)

Trecho: "Bastou dar um Ctrl+L no roteiro do primeiro filme e substituir o nome dos personagens e temos uma receita para fazer um filme onde só importa as mortes criativas e a espetacular explosão que inicia o filme."

A tragédia da consciência: Planeta dos Macacos – A Origem

2011-09-10T20:06:00.000-07:00

“Minha natureza simiesca passou a afastar-se de mim a olhos vistos, tão depressa que meu primeiro treinador é que quase se transformou num macaco” (Franz Kafka)

Em seu famoso conto Comunicação a uma academia, Franz Kafka utiliza-se da história de um macaco que relata aos estudiosos presentes em sua palestra o processo de hominização que terminou atravessando desde que foi capturado pelo seres humanos. Com certo tom de melancolia, o macaco nos faz perceber quão nociva pode ser a consciência a respeito de nossa condição humana predadora e desnudante.

No longa O Planeta dos Macacos – A Origem (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), vemos um pouco dessa discussão da relação homem-primata com o seguinte enredo: Will Rodman procura financiamento para sua pesquisa da cura do Mal de Alzheimer, que pode ser viabilizada através de um remédio testado em chimpanzés. Estes passam a desenvolver uma inteligência fora do convencional depois que passam por estes testes com protótipos do medicamento, sendo um deles César, chimpanzé adotado por Will depois da morte da mãe do símio no laboratório. Com o tempo, o primata começa a tomar consciência de sua condição e a se inconformar com o tratamento que os humanos infringem sobre ele e os outros macacos, levando-o à revolução.

Com um roteiro que destrincha sem pressa a ascensão de César, Wyatt oferece espaço para destacar o trabalho de Andy Serkis como o símio, enfatizando a tragédia de se ter a consciência das misérias que o cercam. Enquanto o excelente trabalho de Serkis rouba a cena, James Franco equilibra a dose com a concepção de um cientista obstinado pelo seu trabalho, mas que o realiza pela paixão de ver a solução de um problema próximo a si – no caso, a doença degenerativa que acomete seu pai, interpretado por um John Lithgow correto. Além deles, observa-se uma Freida Pinto ser subutilizada como par romântico e “voz da consciência” de Will em certos momentos e David Oyelowo relegado ao estereótipo do chefe interessado somente no dinheiro da empresa, um dos clichês mais batidos da história.

Entretanto, ao observar os elementos técnicos usados por Wyatt no longa, ressalta-se os efeitos especiais que transformaram os movimentos de Serkis no símio e uma montagem fluida que investe na identificação do público com o protagonista e, em sua parte final, nos cortes abruptos típicos do gênero de ação. Patrick Doyle compõe uma trilha sonora adequada, mas não memorável e Andrew Lesnie investe em uma fotografia que realça os tons frios e acinzentados típicos da ficção científica, deixando as cores para os momentos mais emocionais do longa. Em suma, o longa de Wyatt oferece novo fôlego para a franquia dos macacos que dominam a Terra, pois investe no elemento fundamental de qualquer história: seus personagens.

Focando na inevitabilidade das consequências que este “abrir de olhos” pode proporcionar, Wyatt aposta na velha fórmula do “ciência – consciência = perigo” para oferecer um pouco mais - mas não muito - do que entretenimento escapista, mas uma tentativa de trazer certa reflexão sobre as virtudes e os infortúnios do conhecimento.

Os Smurfs e a Cultura do Remix

2011-09-10T14:44:00.000-07:00

Dentroda chamada Cultura do Remix, percebe-se que a maioria dos produtos audiovisuaisconcebidos para cinema são baseados em materiais criados originalmente paraoutras mídias – vide Piratas do Caribe, Nine ou os recentes Thor e LanternaVerde, dentre outros. Como fruto dessa cultura, vemos o surgimento do longa dodesenho animado que veio dos quadrinhos dos anos 50 Os Smurfs, que fez bastantesucesso no Brasil na década de 80, que, neste ano, se transformou em filme.

Nosprimeiros minutos de Os Smurfs (The Smurfs, 2011, Raja Gosnell), percebe-se oquanto os longas criados para o público infantil evoluíram nas últimas décadas,visto que a sofisticação e a criatividade presente em filmes como Os Incríveis, Wall-E, A Viagem de Chihiro, Shreke outros simplesmente desaparece com o enredo mais do que ultrapassado destelonga meio preguiçoso e antiquado. A trama reside no seguinte: os Smurfs, ao fugirde mais uma investida de Gargamel – interpretado por um Hank Azaria querendopagar as contas – e Azrael, terminam por parar na cidade grande – no caso, aóbvia Nova York -, onde passam poucas e boas até que consigam voltar para casa.

Oclima despreocupado e simplório toma conta de todo olonga, desde o roteiro às interpretações, salvando-se somente a técnica deanimação, que mostra a que veio, ao adequar os pequenos seres ao universo doshumanos com destreza. Aos adultos, resta somente perceber algumas brincadeirasvisuais com o Blue Man Group, Blu-Ray Disc ou Bluetooth, o que não é grande coisa paraquem cresceu com esses seres azuis e esperava bem mais do filme.

Professora Sem Classe e o Ser/Estar Incorreto

2011-09-10T13:34:00.000-07:00

Durantenossa infância, procuramos modelos em que nos espelhar a fim de sermos adultossaudáveis e exemplares uns para os outros. Se, durante muito tempo, nossasociedade relegou à religião a concepção de mitos que funcionariam comoexemplos de dedicação, subserviência e amabilidade, como Jesus Cristo, Buda ouMaomé, a contemporaneidade transfere esse statusde ‘ícones’ para pessoas ditas ‘públicas’: artistas, políticos e, em menorescala, os educadores – se considerarmos a conservadora sociedadenorte-americana -, o que nos conduz ao longa a ser analisado.

Professora Sem Classe (Bad Teacher, 2011, Jake Kasdan) versa sobre Elizabeth Halsey, umaprofessora de ensino fundamental que, numa das primeiras cenas do longa, pededemissão para ser sustentada pelo namorado rico, com quem está prestes a secasar. Mas, tempos depois, uma travessura do destino tira-lhe a oportunidade detomar proveito das riquezas de seu fiancée.Ela termina, então, precisando voltar a lecionar para conseguir o dinheironecessário para fazer o implante de silicone que lhe proporcionará seu próximomarido rico. Durante sue empreitada, passa os dias embriagada, fazendo seusalunos assistirem a filmes ao invés de dar aula, dá em cima de Scott, o bondosoprofessor de família rica, e infernizando a vida de sua serelepe rival Amy.

Trabalhandocom um amor menos inocente do que se esperaria de um filme estrelado CameronDiaz, Kasdan coloca a sala de aula em segundo plano para desenvolver apersonalidade de sua protagonista independente do espaço onde esteja. Dessaforma, torna-a mais viva para o espectador, ainda que sua previsível redenção surjade maneira óbvia e apressada, mas nunca melodramática. Investindo num elencodescolado, Diaz se diverte com os palavrões e o cinismo de sua Elizabeth,enquanto que Jason Segel compõe o professor que se engraça por ela, mas que nãoa endeusa e Justin Timberlake desaparece umpouco com sua embalagem de cantor pop para tentar compor a timidez e aexcentricidade de seu Scott. Com um discurso semelhante ao imensamente superiorPapai Noel às Avessas, este longa nãopassa de um passatempo mais sacana do que as comédias açucaradas convencionais,servindo talvez como uma resposta às comédias ‘masculinas’- vide Se Beber, Não Case - que tem surgido nosúltimos anos.

Pacific - Sorria, você está se filmando.

2011-09-07T15:43:00.000-07:00

Postando no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Pacific (idem, 2011, Marcelo Pedroso)

Trecho: "Nesse reality show concebido e registrado por nós mesmos, retornamos ao cinema dos Lumière ao encontrar diversas narrativas conduzidas por personagens anônimos e, por vezes, nada memoráveis, tornando esta experiência quase um dejá vu de nossa própria existência."

Melancolia - Pós-Trans-Oni-Anti-Ciência?

2011-09-07T15:33:00.000-07:00

Postando hoje no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Melancolia (Melancholia, 2011, Lars Von Trier)

Trecho: "Rico em simbolismos, Von Trier incomoda e extasia seu público ao fazê-lo experienciar um Apocalipse ainda mais tenebroso do que aquele revelado nas profecias do apóstolo: dentro de nós mesmos, ocultamos um intenso esvaziamento que será suprido somente quando retornarmos para dentro da terra que nos expeliu para uma existência errante e distópica"

Jogada de Risco – Prefácio de um Cineasta

2011-07-30T19:05:00.000-07:00

Hoje, postei no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Jogada de Risco (Hard Eight / Sydney, 1996, Paul Thomas Anderson)

Trecho: "Ao analisar seu primeiro longa-metragem, percebe-se claramente alguns dos elementos que o consagraram: as elegantes e dinâmicas movimentações de câmera e a construção ou dissolução de relacionamentos familiares - geralmente, paternais - de maneira insuspeita"

Do Feminino e Masculino - Ricky

2011-07-30T15:09:00.000-07:00

Desde as primícias da Humanidade, a composição familiar centra-se na figura feminina como detentora da “organização” do universo do lar, relegando-se ao homem o papel de provedor material por meio do trabalho – na caça, na agricultura ou na empresa. A mulher, então, começa a desenvolver um perfil de cuidadora de todos os membros da família, dedicando, muitas vezes, sua vida mais para o bem estar dos outros do que de si mesma.

Em Ricky (idem, 2009, François Ozon), o diretor opta por mostrar a constituição de uma família contemporânea “convencional”: mãe solteira, Katie, criando uma filha pequena, Lisa, que, ao se relacionar com um colega de fábrica, Paco, termina por ficar grávida e trazendo o novo namorado para morar na sua casa, o que desestabiliza as noções de harmonia familiar da primogênita. Com roteiro do próprio Ozon, o longa mescla realidade e fantasia com o nascimento do pequeno Ricky, que passa a desenvolver características diferentes das outras crianças: um par de asas. Por motivos que o diretor jamais esclarece, a mãe começa a perceber pequenos hematomas nas costas do menino, que, com seu crescimento, transformam-se em asas. A mãe, então, passa a escondê-lo dos vizinhos e dos médicos, até que uma inesperada exibição no supermercado chama atenção da cidade e da mídia, levando a moça a se enclausurar em seu próprio apartamento.

Optando pela sutileza, Ozon enquadra belamente seus atores -principalmente o ator mirim - com uma fotografia cotidiana e que alterna entre o colorido e o quase desbotado para oferecer o aspecto de realidade / fantasia que almeja imprimir. Sua trilha sonora, com suas doses cômicas, fantásticas e dramáticas, e montagem, que ora suprime ou ora dilata a sensação de passagem de tempo, oferecem ao longa ares que distinguem Ozon de outros cineastas europeus, como se mesclasse o painel real e doloroso dos irmãos Dardenne com a fantasia banal de Jean-Pierre Jeunet.

Por mais que invista em uma abertura deslocada do contexto da protagonista - mostra Katie, depois de Ricky estar crescido, indo em uma agência de adoção para entregar o menino para algum casal que consiga criá-lo, o que destoa de seu comportamento ao longo do filme -, o diretor suplanta essa e outras pequenas falhas com uma despretensão que conquista o espectador pela leveza com que é conduzida. Ao final do longa, resta ao público emocionar-se com a trajetória dessa mãe que, pela bem tecida metáfora empreendida pelo autor, sente a necessidade de deixar seu filho fluir pelo seu próprio curso distante dos seus cuidados, e dessa filha, que também abre espaço no seu coração para um padrasto que sempre se interessou em agradá-la, formando um núcleo familiar atípico, mas harmonioso à sua própria maneira.

Sem Passado e Sem Destino

2011-07-30T13:22:00.000-07:00

Cotidiano. Rotina. Adestramento. Palavras que geralmente usamos para representar o dia-a-dia de casa, trabalho, estudo em que nos preparamos para organizar uma vida adulta saudável e desejável. Ignorar a pretensa importância de se estabelecer como um homem / mulher segundo estes preceitos torna-se, então, objetivo de todos aqueles que caminham na contravenção.

Em Sem Destino (Easy Rider, 1969, Dennis Hopper), Wyatt e Billy tornam emblemas desta contracultura ao protagoniza uma viagem pelos Estados Unidos no exercício de um estilo de vida alternativo aos ideais que tantos como eles prometeram anteriormente: uma existência fluida sobre as rodas de uma motocicleta desconectada das raízes que um dia cultivaram na família ou no trabalho. No meio de sua jornada ao encontro de si mesmos e de sua própria noção de espaço, atravessam desfiles, prisões, festas regadas a marijuana e os olhares preconceituosos e violentos dos interioranos conservadores.

Para alimentar seu discurso, Hopper emprega uma trilha sonora agressiva e pontual que conota sua personalidade intempestiva, acompanhada de uma edição que, por meio de cortes que oram usam, ora ignoram o naturalismo griffithiano, prenuncia uma atmosfera videoclíptica e propõe ao espectador novos olhares sobre aquilo que está vendo. Ou seja, Hopper não faz somente um filme sobre outro modo de vida, ele se declara como um novo modo de fazer filmes, que influenciou grandemente os artistas que o sucederam.

Crumb – o Homem como criador e criação

2011-07-30T12:25:00.000-07:00

Hoje, postei no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Crumb (idem, 1994, Terry Zwigoff)

Trecho: "Zwigoff tece uma obra que versa sobre pessoas marginalizadas à sua própria claustrofobia, desvelando um retrato mais feio e sincero de uma sociedade regada pelo ideal de felicidade desgastado que almeja sempre perpetuar."

Meia Noite em Paris – Ode à Arte e ao Tempo

2011-07-28T19:44:00.000-07:00

Ao construir obras de arte, o ser humano procura de alguma forma relacionar-se com o tempo e o contexto que vivencia. Criando símbolos e mitos que comunicam estados, pensamentos e qualidades de um chamado “mundo interior”, os artistas podem, por conta dessa dedicação ao criar, distanciar-se, por vezes, do ordinário, do comum.

O tempo se dilata e a beleza das ruas parisienses se agiganta com a bela abertura de Meia Noite em Paris (Midnight in Paris, 2011, Woody Allen), em que o diretor destila suas neuroses carregadas de imaginação na pele de Gil Pender, um roteirista hollywoodiano que, insatisfeito com sua carreira, reescreve constantemente um romance que esconde a sete chaves das críticas alheias. Sua vida começa a mudar quando, em viagem com sua irritante noiva à Cidade Luz, resolve caminhar pelas vias parisienses e entrar em um carro antigo que o conduz a um mundo nostálgico, em que grandes artistas – como F. S. Fitzgerald, Ernst Hemingway, Picasso, Dali e Cole Porter – festejam e dialogam ad infinitum sobre o fazer artístico que Pender tanto aprecia.

Decepcionado com os “sub-artistas” do mundo contemporâneo, Pender anseia ardentemente habitar a Paris dos anos 20, que estima pelo intenso fervilhar criativo que proporcionou no encontro de tantas mentes inventivas. Nesse admirável mundo antigo, conhece a bela e sensível Adriana, que, surpreendentemente, aprecia o passado de glórias da Belle Époque de 1900 em detrimento do tempo que vivencia. Aludindo à A Rosa Púrpura do Cairo, a metalinguagem de Allen torna prosaicos os elementos fantásticos de um roteiro despretensioso que reflete e sente o prazer da Arte, mesclando realidade e fantasia em uma sofisticada jornada do homem rumo ao seu próprio tempo. Em seu elenco, Allen aprofunda as personas representadas por Owen Wilson e Marion Cotillard através de um improvável romance entre seres de temporalidades distintas, relegando, porém, seus coadjuvantes a estereótipos fúteis e pedantes em uma narrativa de segundo plano que, pelas presenças magnéticas de Rachel McAdams, Michael Sheen e Kathy Bates, jamais perde o charme. Nesse ourobouros de nostalgia, um universo alleniano se constrói através de belos enquadramentos e de uma fotografia que pinta um cotidiano luxuoso e uma trilha sonora que desvela um encanto pelo clima parisiense, conotando um amor não somente pela Cidade Luz, mas pelas pessoas que a tornaram e ainda tornam, de alguma forma, única.

Mesmo optando por um incômodo didatismo ao expor as conclusões de seu protagonista no ato de escolher entre realidade e fantasia no clímax da narrativa, Allen nos faz sentir e compreender a necessidade e a complexidade desse inevitável desígnio pelo real, por mais que almejemos vivenciar devaneios que nos conduzam para além de nós mesmos, à vanguarda de nosso universo interior.

A Garota da Capa Vermelha ou Como ‘Crepuscularizar’ Um Filme?

2011-07-10T05:01:00.000-07:00

Nessa onda de remixar narrativas antigas, um dos maiores sucessos dos últimos anos - Crepúsculo - parece povoar o inconsciente de todo filme juvenil que invista em triângulos amorosos com seres sobrenaturais. Depois da fase vampiresca, parece que estamos adentrando na fase lobisomem, com A Garota da Capa Vermelha (Red Riding Hood, 2011, Catherine Hardwicke) recontando a história de Chapeuzinho Vermelho com um ar mais juvenil, dark e lascivo para o conto da menina que precisa aprender a lidar com situações inesperadas em sua cidade com a invasão de um lobo em sua cidade.

Valerie (Amanda Seyfried) enrosca-se em um romance com Peter, seu amigo de infância, ao mesmo tempo em que o vilarejo em que habita começa a sofrer os ataques de um lobo que atacou e matou sua irmã, além de ser prometida em casamento a Henry, o objeto de desejo de sua falecida irmã. Ao longo da narrativa, entra-se num jogo de gato e rato, em que todos são suspeitos de serem o criminoso da vez, com reviravoltas que surpreendem os espectadores mais impressionáveis.

Hardwicke, no entanto, investe em um triângulo amoroso sem graça e previsível a fim de despistar o espectador, que, ao saber de antemão o final da história, termina por tentar se divertir em descobrir a identidade do Lobo ou rir da presença exagerada de Gary Oldman como Padre Solomon, que chega à cidade para exterminar o animal assassino. Por mais que o design de produção e a fotografia de Hardwicke acertem o tom dark juvenil para trazer vida para essa nova versão, faltou um pouco mais de cuidado e esforço ao tentar reescrever a matriz.

(Re)escrever o Real - Os Irmãos Grimm

2011-07-10T04:30:00.000-07:00

As narrativas, os mitos, os ritos sempre povoaram a mente do ser humano e, até hoje, continuam a se perpetuar dentre as mais diversas mídias, pois a construção de histórias – reais ou ficcionais – sempre nos ajudará a lidar com situações que surgem diante de nós. Dentre tantas histórias que conhecemos, os contos de fada tornaram-se universais pelas mãos e mentes de dois irmãos que resolveram publicar histórias que há muito tempo eram contadas e recontadas pelo povo: os Irmãos Grimm. O longa digirido por Terry Gilliam, Os Irmãos Grimm (The Brothers Grimm, 2005, Terry Gilliam), decide, no entanto, não escrever a história dos irmãos como, de fato, ela aconteceu, mas permitir aos dois escritores mergulharem no universo dos contos de fada que eles mesmos publicaram – como se fosse um “registro-x” da verdadeira História.

O longa dirigido por Terry Gilliam reúne diversas referências a contos como Chapeuzinho Vermelho, João e Maria e Rapunzel para contar a história de Will (Matt Damon) e Jacob (Heath Ledger) Grimm, que, com doses de ilusionismo e charlatanismo, sobrevivem de aplicar golpes em cidadãos que almejam ver os seres sobrenaturais que assombram os redutos de seus vilarejos destruídos ou escorraçados. Os medrosos e estranhos habitantes das cidades que os Grimm visitam desconhecem que eles mesmos forjam os ataques das bestas e bruxas a fim de angarias alguns trocados com o medo e a ignorância alheia. No entanto, quando são incumbidos de desmascarar o truque de outros charlatães que estão aterrorizando a cidade de Margraden ao seqüestrar adolescente, eles percebem que existem outras ameaças sobrenaturais verdadeiras com as quais eles precisarão lidar.

Enquanto que Will caracteriza-se mais pelo ceticismo e praticidade, em Jacob predomina a sensibilidade e o intelecto, tornando-se o responsável por redigir as desventuras dos irmãos em contos que são reunidos em um livro. A partir deste mote, Gilliam trabalha com diversas referências ao universo habitados pelos personagens dos irmãos Grimm, trabalhando com um elenco variado – além de Damon e Ledger, temos Peter Stormare, Monica Bellucci e Jonathan Pryce – e com uma direção de arte e uma fotografia desbotados que caracterizam uma sujeira da Alemanha da época, dominada pelos franceses. Da mesma forma, a trilha sonora tenta capturar o espírito tradicional e fantástico da aventura, compondo um cenário de fábula dark que atende aos públicos juvenis e adultos. Com um Matt Damon no piloto automático e um Heath Ledger que investe nas caretas para tentar trazer um Jacob mais humano e menos melancólico, o ex-Monty Python investe em efeitos especiais terríveis para sustentar a narrativa ao invés de apostar na sutileza, o que, talvez, teria melhorada o resultado da empreitada, que permanece no terreno dos clichês para proporcionar um entretenimento passageiro e esquecível.

Precisamos de histórias para lidar melhor com os problemas e alegrias que vivenciamos, admiramos o cinema por nos permitir viajar por essa estrada de auto-reconhecimento e entretenimento. No entanto, por vezes, não encontramos uma história ou formas de contá-la que nos atraiam ou nos incomodem o suficiente para mudar nossa concepção sobre os fatos.

Redundância e Clichês + Plumas e Paetês = Burlesque

2011-07-03T21:02:00.000-07:00

Hoje, postando mais uma vez no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Burlesque (idem, 2010, Steve Antin)

Bambi e os Ritos de Passagem

2011-07-03T19:31:00.000-07:00

Hoje, postando de novo no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Bambi (idem, 1942, vários)

Laços de Ternura e de Aspereza

2011-07-03T18:01:00.001-07:00

Hoje, postando no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Laços de Ternura (1983, James L. Brooks)

Uma Manhã Gloriosa e o prazer da irresponsabilidade

2011-05-07T20:21:00.000-07:00

Falando de forma pessoal, quando acompanhei a jornada de Becky Fuller para conseguir fazer com que seu programa matinal de jornalismo e entretenimento fosse um sucesso na programação de uma grande emissora, não era possível deixar de me identificar com as situações dispostas na tela: a sensação de estar sempre correndo atrás do prejuízo, a descrença das pessoas no seu trabalho, além dos egos extremamente inflados de pessoas que parecem não pisar no chão, dentre outras situações. Ser produtor requer desvencilhar-se de uma individualidade para buscar o espectador mais genérico possível, deixar de se agradar para oferecer um produto que agrade milhões de pessoas, assim como fazer com que uma equipe, geralmente pequena, dê conta de uma grande quantidade de trabalho.

Saindo do plano pessoal e seguindo para a crítica propriamente dita, por mais que pretenda ser um retrato superficial dentre várias histórias de superação profissional diante de astros / chefes / coordenadores egocêntricos que o cinema já concebeu, Uma Manhã Gloriosa (Morning Glory, 2010, Roger Mitchell) ganha simpatia por um motivo: Rachel McAdams se torna extremamente cativante ao longo da narrativa, pois tem simpatia e talento para construir uma personagem que, por mais que caia na caricatura em alguns momentos, consegue se manter como a mais tridimensional que se apresenta no filme.

Com um roteiro que promete mais do que cumpre, Mitchell realiza um filme dinâmico que oferece uma energia forte para uma Diane Keaton diferente das senhoras simpáticas que nos acostumamos a ver, logo em sua primeira cena, para depois, relegá-la a um segundo plano. No entanto, ele oferece maior espaço para que a interpretação de um mal-humor monocórdico e despropositado de Harrison Ford ganhe contornos mais humanos perto do final do filme. Alguns instantes que parecem render algo diferente – como a briga dos dois apresentadores transmitida ao vivo -, mas parecem subaproveitados ou subestimados para seguir com outras situações que demandam maior espaço na narrativa. No entanto, por mais que seja essencial para este tipo de filme, seria muito pouco reduzir os esforços de Mitchell ao trabalho com o elenco, pois ele consegue criar um clima agradável através de sua fotografia singela, uma trilha sonora alegre e pop, além de um montagem quase invisível que privilegia o desenvolvimento da narrativa.

Por mais que não tenha a beleza e a humanidade de Um Lugar Chamado Notting Hill, Mitchell faz um filme previsível que versa sobre a possibilidade de ver a si mesmo, o trabalho e a própria arte um pouco menos a sério, com um pouco mais de prazer, desprendimento. Ser um pouco irresponsável requer justamente o contrário do que estamos acostumados: a individualidade, o querer agradar mais a si mesmo do que se deixar levar pelos pensamentos e cobranças alheios.

Poesia e a (des)criação da beleza

2011-04-26T12:48:00.000-07:00

Hoje, postei no Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Poesia (Shi, 2011, Chang-dong Lee)

Pânico 4 e o cinema como um evento

2011-04-21T19:57:00.000-07:00

Desde que apresentou o aparente final da trilogia Pânico com o terceiro filme da série, Wes Craven parecia colocar a primeira pá de cal sobre o estilo “filme de terror metalingüístico” que sacramentou durante os anos 90. Se, em 2000, Pânico 3 parecia francamente desgastado diante da revolução do terror com O Sexto Sentido e A Bruxa de Blair em 1999, o quarto filme da cinessérie - Pânico 4 (Scream 4, 2011, Wes Craven) - funciona como um suspiro de alívio em meio à “responsabilidade” que o fazer cinema “original” terminou se tornando.

Retornando à cidade natal anos depois dos massacres registrados no último longa, Sidney Prescott está lançando um livro que não somente conta a história pela qual passou, mas que também tem servido de inspiração para outras pessoas superarem dramas semelhantes (?), se é que existe essa possibilidade. Enquanto isso, Dewey ainda permanece como o xerife da cidade onde não acontece nada de extravagante para sua esposa, Gale Weathers, vasculhar com seu instinto jornalístico – todos os três meio perdidos na profusão de astros em participações especiais, como Kristen Bell, Hayden Panettiere, Rory Culkin, Anna Paquin e Marley Shelton. Mas todos os furos no enredo e as fracas interpretações pouco importam quando, na realidade, reside na experiência cinematográfica de retornar à época em que se via a renovação deste gênero pelas mãos de Kevin Williamson – roteirista deste e de outros filmes que iam na mesma esteira, como Eu sei o que vocês fizeram no verão passado e Prova Final, assim como do seriado adolescente Dawson’s Creek - a sua maior qualidade.

Se, desde seu prólogo, o filme aposta na esperteza ao se deixar levar pela metalinguagem deslavada, referenciando não somente os filmes de terror, mas também as mudanças que a trilogia original proporcionou, o realiza na intenção de restabelecer as regras de um jogo conhecido pelos seus jogadores, mas, desta vez, investindo mais ainda na diversão do processo do que o resultado. Mesmo que os clichês de uma época se avolumem a cada fotograma e possamos, ao longo da narrativa, perceber o quanto amadurecemos e nos sofisticamos nessa última década, certamente a sensação mais agradável durante uma sessão do longa reside em perceber que seus realizadores não são somente fãs dos filmes de terror adolescentes, mas fãs da própria trilogia Pânico.

Certamente, eles pensaram na experiência de estar em um multiplex cheio de ex-adolescentes nos seus vinte e poucos anos, gritando, rindo e se emocionando com suas lembranças, uma geração que, enquanto rememora o quanto se divertia anos atrás, também percebe como tem se levado a sério demais em alguns momentos.

O Panaca e o ser alguém

2011-04-17T16:31:00.000-07:00

Hoje é dia de Cine Lupinha.

Filme de Hoje: O Panaca (The Jerk, 1979, Carl Reiner)

The Blues Brothers e o submundo musical

2011-04-09T11:20:00.000-07:00

Baseado em uma banda de r&b criada como esquete cômico-musical do programa norte-americano Saturday Night Live, John Landis realiza em Os Irmãos Cara-de-Pau (The Blues Brothers, 1980, John Landis) um musical disfarçado de comédia policial – ou vice-versa – que prima pelo absurdo das situações em que o roteiro joga seus protagonistas.

Logo que sai da cadeia, depois de três anos, Jake Blues é levado pelo seu irmão Elwood para visitar a freira Mary, que lhes conta a respeito das dificuldades financeiras que o orfanato que administra tem enfrentado – ao mesmo tempo em que os pune com uma palmatória por terem blasfemado e falado palavrões. Mesmo que não tenham se convencido pelas palavras de repreensão dela, a convite de um de seus amigos, vão a um culto em uma igreja evangélica e Jake – em um número que mistura revelação e animação - recebe uma luz a respeito do que precisam fazer para salvar o orfanato da freira: retornar com a banda que havia se desfeito pouco depois de Jake ter ido para a prisão.

A partir desse mote, Landis compõe uma série de esquetes cômico-musicais estrelados por gênios da música black – Aretha Franklin como uma dona de restaurante desbocada, James Brown como o pastor de uma igreja alucinada, Ray Charles como um dono de loja de instrumentos musicais e os integrantes da própria banda The Blues Brothers – e com personagens emergentes de um universo figurativo vindo da própria mídia. O roteiro despretensioso e insano de Landis e Dan Aykroid conquista instantaneamente o público com a caracterização de personagens surreais – como a misteriosa e violenta mulher interpretada por Carrie Fisher que, em sua primeira cena, empunha uma bazuca engatilhada para os irmãos; ou os membros de um partido político nazista e os vingativos cantores de música country – em situações inóspitas.

Se durante muito tempo, o gênero musical acompanhou personagens do show business afeitas ao jazz inocente, Landis volta sua câmera para o submundo do blues e do soul, trazendo personas deslocadas do universo real, mas pertencentes ao um mundo musical subalterno que ganha visibilidade aprendendo a rir de si mesma.

Meu Primo Vinny - Entre o confiar e o subestimar

2011-04-05T07:12:00.000-07:00

Na convivência em sociedade, o ser humano atravessa situações que o levam a enfrentar e confiar num desconhecido que lhe ensina muitas vezes a deixar de controlar o seu próprio destino e se entregar com maior facilidade.

No longa Meu Primo Vinny (My Cousin Vinny, 1992, Jonathan Lynn), o espectador perpassa por estes tipos de sensações ao longo do filme: de início, subestima-o, mas, ao longo da projeção, permite-se conquistar pela sua simplicidade, ignorando a pieguice e envelhecimento de alguns aspectos que não diminuem o charme da sessão. Iniciando a história com a viagem e a prisão de Bill e Stan, dois jovens recém saídos da faculdade, por engano dentro do estado do Alabama, a narrativa logo oferece espaço para o desfile de Vinny, um advogado recém-formado, e Lisa, sua noiva especialista em carros, dois nova-iorquinos completamente diferentes dos padrões conservadores de um estado que cria suas próprias leis.

Utilizando de uma linguagem simples e convencional, Lynn prefere favorecer a dinâmica entre seus personagens a fim de obter os efeitos cômicos das performances inspiradas de Joe Pesci e Marisa Tomei. Enquanto Pesci praticamente repete a persona irritada e convencida que o público se acostumou a ver em seus filmes; Tomei praticamente toma para si o filme na parte final, quando, depois de nos cativar com uma mulher extravagante e companheira, consegue nos arrebatar ao trazer verossimilhança para monólogos complexos em quantidade e qualidade de informações. Mesmo contando com algumas cenas formulaicas e outras desnecessárias para o desenvolvimento da narrativa, são momentos como um abraço de agradecimento de Bill em Vinny após o julgamento e o retorno do advogado e sua noiva para casa que fazem deste longa um bom passatempo e uma sessão saudosista para aqueles que aprenderam a amar – e não subestimar – esses filmes descerebrados.

Se fosse feito hoje, talvez as peripécias do trapaceiro Vinny fossem solenemente ignoradas pelo público afeito a um humor diferenciado, mas o filme de Lynn reserva ainda um certo carisma atemporal por se apoiar em uma fórmula simples e funcional, mas, antes de tudo, tão despretensiosa como as melhores comédias do final dos anos 80 e início dos 90.

Somewhere e a paternidade efêmera

2011-03-27T14:09:00.000-07:00

De novo pro Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Um Lugar Qualquer (Somewhere, 2010, Sofia Coppola)

Viagem a Darjeeling e as fraternidades disfuncionais

2011-03-27T13:03:00.000-07:00

Mais uma pro Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Viagem a Darjeeling (The Darjeeling Limited, 2007, Wes Anderson)

Dogma e o automatismo da fé

2011-03-27T08:40:00.000-07:00

Quando se fala em fé, sempre se pensa em diversos tipos de crenças que cercam a busca pela Verdade em que se queira basear a sua vida, variando de acordo com as entidades e ritos que se realizam para esse encontro com o divino. Em Dogma (Kevin Smith, 1999), o diretor constrói um trabalho que satiriza as imperfeições e os desastres que surgem dessa necessidade de conexão com algo maior do que nós mesmos e a aparente falta de sentido em se negar essa necessidade.

O longa conta a história de Bethany, uma católica – que trabalha em uma clínica de abortos - cuja vivência da fé tem sido levada como algo distante de si mesma, desejando um reencontro com uma crença viva. Em uma noite de sono, ela é convocada pelo anjo Metatron para uma jornada inóspita: impedir que dois anjos expulsos do Paraíso, Loki e Bartleby, entrem em um portal criado pela Igreja Católica que perdoará todos os pecados daqueles que por ele passarem. Se eles forem perdoados pelos suas falhas, eles terminariam provando que Deus errou, o que acabaria com a existência do mundo.

Junto com ela, parte uma galeria de personagens que desejam ajudar ou impedir seu cumprimento: Jay e Silent Bob, dois profetas malandros; Rufus, o 13º apóstolo, excluído da Bíblia por ser negro; Azrael, um demônio que deseja lançar uma guerra entre Céu e Inferno ao ajudar Loki e Bartleby; três jogadores de hóquei satanistas que realizam atos de vandalismo para ajudar as forças do Mal; e tantos outros que mostram a dinâmica da imperfeição traçada por Smith. Mesmo utilizando uma linguagem cinematográfica simples e efeitos especiais toscos, o diretor utiliza seu cinema intertextual para manipular diversos símbolos da cultura pop através de seus diálogos espertos e cheios de palavrões, objetivando questionar e satirizar a robotização de nossas próprias crenças.

Com essa multiplicidade de pontos de vista a respeito do modo como conduzimos nossa fé, Smith utiliza sua linguagem não para afirmar, mas para perguntar a seu espectador qual o sentido de sua fé, qual o sentido de perpetuar gestos vazios ao invés de se aprofundar na essência daquilo ou Daquele que, aparentemente, nos faz tão bem? Qual a linha que separa a compreensão da fé como um prazer ou um fardo?

Corpos Ardentes e a releitura do noir

2011-03-16T06:30:00.000-07:00

Jazz. Homens solitários. Femme Fatales. O gênero – ou estilo - noir, emerso da literatura do início do século XX, teve seu auge no cinema norte-americano dos anos 40, tratando de seres deslocados habitantes de uma cidade e de uma sociedade decadentes. Em Corpos Ardentes (Body Heat, 1981), Lawrence Kasdan constrói uma releitura dramática deste gênero – tratado como neo-noir - ao compor uma trama de mistério e crime que alimenta a sensualidade pulsante de seus personagens.

Iniciando o longo com sucessivas fusões entre os meandros de um corpo feminino e imagens de vapores avermelhados com o acompanhamento do leve e sensual sax de John Barry, o espectador conhece a trajetória de Ned Racine (William Hurt), advogado do estado da Flórida que não consegue se encaixar em nenhum relacionamento de maneira profunda, até encontrar Matty Walker, mulher sensualíssima que logo chama a atenção do solitário homem, mostrado através de cenas em que os diálogos cortantes e sensuais tonificam a narrativa. Começando de forma despropositada, o relacionamento de ambos caminha oculto até que decidem aplicar um golpe contra o esposo da adúltera Walker, que se tornaria herdeira de todos os bens conquistados pelo empresário que lhe sustentou durante anos.

A direção de Kasdan acerta o tom dos enquadramentos por vezes distorcidos, dos jogos de luz e sombra e da mise-em-scene desestrurada para oferecer ao espectador um sopro de ar fresco a um gênero que caminhava decadente alguns anos antes da produção do filme. Quanto ao elenco, William Hurt compõe um sujeito solitário, que não encontra seu papel na historicidade em que reside e se perde no desejo por uma mulher que, a princípio, lhe despreza. Da mesma forma, Kathleen Turner exibe uma mulher aparentemente frágil que parece ser vitimizada pelas conseqüências de suas escolhas, mas que, em certo ponto, mostra-se causadora de todas as circunstâncias que lhe cercam.

No embate entre masculino e feminino, a misoginia e o cinismo usuais dos protagonistas do noir dos anos 40 oferecem lugar para a efervescência transgressora que toma conta da cidade – na excelente metáfora para a onda de calor que todos os personagens e que, em certo momento, justificam seus atos impensados -, exibindo o relacionamento tortuoso entre um homem que não consegue ter postura para domar suas paixões e uma mulher que reforça e, paradoxalmente, ironiza seu estereótipo de pouco inteligente a fim de realizar o crime perfeito. No jogo em que todos brigam por uma vida “no limite e no controle” do id, o que vale mais: a força da aparência ou a aparência de força? No caso do próprio gênero noir, uma força que advém da própria aparência, da própria imagem, dos contornos que exibe a fim de desestabilizar aquele que assiste.

Gangues de Nova York e o coletivo individual

2011-03-15T07:23:00.000-07:00

Hoje, postando no blog Cine Lupinha.

Filme de Hoje: Gangues de Nova York (2003, Martin Scorsese)

Ensaio Sobre a Cegueira e Sobre o Olhar

2011-03-06T20:20:00.000-08:00

Hoje, estou postando no Cine Lupinha, com essa equipe maravilhosa!

Filme de Hoje: Ensaio Sobre a Cegueira (2008), de Fernando Meirelles

Bravura Indômita ou Violência Desmedida?

2011-03-06T20:16:00.000-08:00

Dentro de sua extensa filmografia, os irmãos Coen trabalharam com gêneros diversos – comédias, dramas, suspenses -, mas, com dois deles em particular, eles sempre flertaram de maneira curiosa: o noir e o western, que mesclaram a fim de compor uma metáfora com a decadência tanto do gênero-símbolo dos EUA como da própria nação.

Em Bravura Indômita (True Grit, 2010), eles optam por realizar um trabalho aparentemente oposto, utilizando um expoente do ápice do western na filmografia norte-americana, estrelado pelo icônico John Wayne como Rooster Cogburn. O federal contratado pela pequena Mattie Ross para encontrar o assassino de seu pai, Frank Ross, no interior dos EUA dosa coragem e egoísmo para cumprir com louvor o intento da menina. Conduzindo a jovem pelo submundo dos caçadores de recompensa e dos destemidos vilões de uma sociedade que aprendeu a sobreviver pelo mal que impõe sobre o outro, ambos embarcam em uma jornada onde os predadores estão mais próximos do que se imagina: dentro de nós mesmos.

A pequena Mattie, interpretada com louvor por Hailee Steinfeld, mescla inocência e determinação na busca que engendra para vingar não somente seu pai, mas a sua própria vitimização, tornando Chaney quase um mito dentro de seu cotidiano violento. No entanto, quando conhecemos o assassino, ele surge comum, banal, quase patético ao lavar seu cavalo no rio, bem diferente de toda a impiedade demonstrada pela criança. Entretanto, a percepção mais perigosa das conseqüências desta violência reside em uma cena particular: quando, no caminho de volta, o cavalo de Mattie, Little Blackie, não agüenta o percurso e precisa ser sacrificado, a menina desespera-se ao pedir que Cogburn não mate o animal. Esta consiste em uma virada peculiar para a personagem, que, até então, se mantinha impassível diante de todos os assassinatos cometidos durante sua jornada, fazendo o espectador questionar a juventude que surge em uma sociedade que vê o mal se relativizando dessa forma.

Discutindo o poder dessa violência de nos anestesiar diante do sofrimento, os Coen compõem um painel vivo de uma época perdida no tempo, mas não no nosso inconsciente, pois esse fotograma dos velhos westerns ainda nos comunica que, mesmo crescendo e evoluindo, continuamos os mesmos.

Elizabeth - O Público e o Privado

2011-03-03T08:04:00.000-08:00

Hoje, estou postando no blog Cine Lupinha, para o qual fui convidado recentemente por um de seus integrantes - Rafael W. - a fazer parte da Equipe. Desde já estou agradecendo e me sentindo muito lisonjeado pelo convite.

Filme de hoje: Elizabeth (1998), de Shekar Kapur

Obrigado pela oportunidade

127 Horas e a autoria da própria história

2011-03-02T05:02:00.000-08:00

Nos longas de Danny Boyle, o acaso torna-se ferramenta através da qual seus protagonistas precisam superar suas expectativas a respeito de si mesmos a fim de conseguir simplesmente sobreviver, vide as crianças e jovens indianos de Quem Quer Ser um Milionário? (Slumdog Millionaire, 2008) e o famigerado Rent Boy de Trainspotting (Trainspotting, 1996). Em 127 Horas (127 Hours, 2010), Boyle conta a história real de Aaron Rolston, alpinista que, numa de suas tresloucadas viagens, termina preso em um cânion isolado de tudo e de todos.

Com um dos braços preso numa rocha, ele precisa encontrar uma forma de sair e continuar sua vida, mas não da mesma forma que entrou: aos poucos, Rolston começa a perceber o quanto estava distanciado das outras pessoas, o quanto suas viagens representavam uma fuga de um compromisso com elas e, talvez, consigo mesmo. E, em uma metáfora dilacerante, ele só consegue sair do seu infortúnio deixando parte de si mesmo naquele lugar, como se precisasse mesmo abrir mão de si para que os outros encontrassem seu espaço na vida dele.

Com um roteiro que investe na presença forte do protagonista, Boyle deixa Franco à vontade para construir uma persona elétrica, irresponsável, mas, acima de tudo, cativante, um ser humano real, que precisa aprender o valor da responsabilidade. Além disso, ele se utiliza de uma edição dinâmica e fragmentada que joga o espectador para dentro da mente veloz de Rolston, permeada por flashbacks e sonhos que contribuem para manter o mundo externo dentro do cânion. No entanto, essa mesma edição entrecortada termina diminuindo o impacto da situação de Rolston, pois, de certa forma, ele não fica isolado, mas as outras pessoas permanecem como imagens junto dele.

Existem vantagens e desvantagens na escolha que Boyle fez na direção do longa, da mesma forma que Rolston obteve quando precisou escolher a vida, mesmo que com um membro a menos. Estamos sempre realizando opções que podem nos trazer ganhos e/ou malefícios, nem sempre na mesma medida, cabendo a nós lidar com ambos de uma maneira que nos permita, de fato, sobreviver.

Como Treinar Seu Dragão e ser inteiro mesmo sendo parte

2011-03-02T04:48:00.000-08:00

Quando se pensa no subgênero “filmes de amizade entre inimigos”, nos vêem diversos longas que propunham unir inimigos em potencial que, contrariamente, aprendem a aceitar suas diferenças e se amar. Essa temática vem desde o teatro, com Shakespeare e seu Romeu e Julieta, assim como tem chegado em Ratatouille (Ratatouille, 2007), longa gastronômico da Pixar, e centenas de outros trabalhos que se utilizam do universo figurativo e narrativo típico deste gênero para abarcar outros temas.

Trazendo uma estrutura convencional em sua construção, Como Treinar Seu Dragão (How to Train Your Dragon, 2010) traz como protagonista Soluço, um rapaz franzino que mora num aldeia viking povoado por matadores de dragões por natureza. Contudo, mesmo sabendo que não consegue matar dragões, ele deseja se encaixar não somente no padrão que a sua sociedade aceita, mas que seu pai acredita ser o melhor para a “honra da família”. Mas, num dia, soluço conhece um dos dragões cuja lenda o torna o mais poderoso e mais temido de toda a aldeia, algo que ele facilmente contesta ao perceber a fragilidade do mesmo ao vê-lo tentar voar e não conseguir, por conta de uma deficiência na cauda.

Construído com uma técnica que parece atrasada em relação aos trabalhos feitos pela Pixar, o filme, no entanto, conquista pela simplicidade e generosidade ao deleitar o espectador com uma trilha sonora bela e tocante, assim como um discurso que trata da deficiência física como uma simples limitação, mas não como a maior barreira para nosso sucesso. Para Soluço, a maior barreira está construída dentro de nós mesmos, que mesmo inteiros de corpo, parecemos fragmentados, divididos, por vezes destruídos, pelas situações e pessoas que nos cercam e frustram.

Contudo, como atesta a mensagem final do longa, todos podemos ser parte dentro de um todo maior, mas precisamos estar inteiros dentro de nossa identidade e da compreensão de nossa força transformadora, domando - ou treinando - aquilo que parece querer nos destruir, seja por dentro ou por fora.

A decadência da identidade - O Mágico

2011-03-02T04:29:00.000-08:00

O ser humano, desde seu nascimento, carrega dentro de si o potencial para construir qualquer identidade, podendo ser cientista, artista, estudioso etc, assumindo caracteres que lhe aproximam de determinadas categorias e outras que lhe particularizam dentro das mesmas. Mas, em certos momentos, desejamos manter certas identidades que , por mais que nos encantem, não conseguem ou conseguirão comungar com as experiências das outras pessoas na sociedade.

Essa é a linha mestra do longa de animação O Mágico (L'Illusionniste, 2010), dirigido por Sylvain Chomet - de As Bicicletas de Belleville (Les Triplets Du Belleville, 2003) - a partir de um roteiro de Jacques Tati, que conta a história de um mágico que entra em decadência por não conseguir mais se encaixar no cotidiano de uma grande cidade. Como o público diminui cada vez mais devido à preferência por atrações mais jovens e populares, ele tem menos oportunidades de trabalho e precisa viajar para se manter. Numa destas viagens, rumo à Escócia, ele conhece uma garota, a quem presenteia com um par de sapatos e que decide seguir com ele.

Interessante como Chomet trabalha com a persona de Tati para compor o protagonista, mas, ao invés de utilizar da inadequação como um meio de extrair risadas, ele a utiliza de forma melancólica, extraindo sua poesia de pequenos momentos em que vemos a energia criativa surgir num cotidiano cercado de concreto e barulho. Com traços leves e contornos humanos, além de um sépia constante que ressalta a sensação de deslocamento temporal. Contudo, em seu final pessimista, mas ao mesmo tempo poético, Chomet chama atenção para nossa necessidade de sempre escolher o caminho da realidade, que, mesmo não sendo o caminho mais agradável, ao menos é aquele que nos encaminha para uma realização mais sólida da nossa identidade. Talvez a resposta não esteja na total negação do sonho, naquilo que desejamos para nós mesmos, mas nas possibilidades que, paradoxalmente, uma limitação pode nos fazer enxergar.

Da impossibilidade do diálogo - Luzes na Escuridão

2011-02-22T16:24:00.000-08:00

O ser humano é um animal essencialmente social, ou seja, age através da linguagem, dos signos, ou seja, é um ser que vive em função da comunicação, do contato com o outro, seja verbal ou não-verbal. Ao assistir o longa Luzes na Escuridão (Laitakaupungin Valot, 2006), o espectador sente um estranhamento que exige dele uma necessidade de um agir comunicacional com a própria obra, como uma maneira de suprir as carências de diálogo que seus personagens possuem.

Contando a história de Koistinen (Janne Hyytiäinen), um homem solitário que trabalha como guarda-noturno em um shopping center de Helsinki e tem pouquíssimos amigos e, mesmo com eles, trava uma relação desconfiada. Certo dia, Koistinen conhece Aila (Maria Heiskanen), por quem se apaixona e através da qual uma quadrilha de gângsteres se aproveita de sua paixão e sua posição como vigilante para tramar um assalto a uma joalheria do shopping, incriminando Koistinen. Com essa trama simples, Kaurismaki destila uma crítica à impossibilidade de um contato verdadeiro na sociedade contemporânea, onde os personagens parecem viver em uma “supra-realidade”, onde os silêncios teatrais e os olhares desconfiados se fundamentaram como base de uma comunicação torpe, mesmo sendo a única que conhecem. Filmando de uma maneira convencional que lembra os filmes das décadas de 50, o diretor emprega planos estáticos com poucas movimentações e uma edição antiquada baseada no simples “plano-contraplano” de uma forma que desestabiliza o espectador ávido pelo ritmo frenético e pela câmera na mão comumente usadas no cinema moderno.

Se a linguagem cinematográfica opta pelo convencional, o mesmo não pode se dito em relação ao trabalho do elenco, pois seus intérpretes caminham na contracorrente da estética cinematográfica tradicional: o rosto frio, quase inexpressivo dos atores, denota uma carência – ou até ausência - de alma na maneira como tratam uns aos outros. Formando algo como telas em branco que o público possa preencher com sentimentos e expressões que venham dele mesmo, o trabalho dos atores nos permite questionar o sentido ou até mesmo a existência de um diálogo real, efetivo na nossa sociedade. Por mais que se dirijam ao outro, todos parecem falar exclusivamente consigo mesmos, como se perguntassem a si mesmos qual a razão de um mundo tão verborrágico como o nosso.

De onde vem essa overdose de comunicação? Qual o valor do olhar e, principalmente, do gesto na restauração das mazelas que carregamos por tanto tempo? A cena final traz de volta essa esperança, por que sempre precisamos dela para seguir em frente, por mais que não acreditamos piamente naquilo que a redenção nos promete.

Um Homem Que Grita - O Silêncio da Inutilidade

2011-02-20T18:27:00.000-08:00

Um homem costuma se definir por aquilo que faz - engenheiro, radialista, ator etc - ao invés de reconhecer as qualidades que possui, independente da sua ocupação. No longa Um Homem Que Grita (Un Homme Qui Crie, 2010), não se ouve em nenhum momento a voz do seu protagonista em um tom mais alto do que o natural, mas sentimos seu grito sufocado pela posição que um pai deveria ocupar em uma situação como a sua. O homem liga-se muito mais facilmente ao "fazer" do que a mulher, o que causa um enorme sentimento de vazio e inutilidade quando ele se encontra sem trabalho - algo que foi bem explorado no longa As Confissões de Schmidt (About Schmidt, 200_), de Alezander Payne, que tratava sobre as consequências da aposentadoria na mente masculina.

Adam (Youssouf Djaoro) tem 60 anos de idade, é ex-campeão de natação, e há 30 anos trabalha como guardião de piscina de um hotel de luxo situado no Chade, na África. Contudo, começa a ocorrer a privatização do estabelecimento e ele se vê obrigado a ceder sua vaga para seu filho Abdel (Diouc Koma), situação que o incomoda bastante por ver nela um declínio social. Durante muito tempo, Adam se estabeleceu como o empregado da piscina - como ele mesmo afirma em certo momento, "a piscina é a sua vida" -, onde podia observar as pessoas vivas diante dele, fossem jovens ou adultas, mas que lhe dava prazer de estar ali. Quando passa a ser porteiro do mesmo hotel, sente ao mesmo tempo o vazio de ser "mais um" personagem invisível daquele estabelecimento, cuja única serventia é abrir a passagem para carros conduzidos por motoristas com janelas fechadas.

Mas o que choca o espectador, na realidade, é decisão que o protagonista toma a fim de resgatar sua posição como guardião da piscina: como seu país passa por uma guerra civil, Adam precisa ajudar o governo com dinheiro ou enviando seu filho para que lute pelo país. Assim, ele toma a decisão de enviar seu filho para a guerra como uma maneira de também recuperar seu cargo na empresa, mas viverá a culpa de destruir sua própria família até que aconteça sua redenção ao final do longa. Mahamat-Saleh Haroun constrói um longa que explora a intimidade de seus personagens com naturalidade, investindo em extremos close-ups que tentam nos colocar quase dentro de suas mentes, deixando-nos à vontade para tomar partido pelas decisões que eles tomam. Seu elenco trabalha de forma sutil e delicada, com um trabalho que beira ao documental, mas com uma certa dose de poesia que surge insuspeita mesmo diante de atos tão questionáveis.

Inverno da Alma e a aridez do humano

2011-02-20T11:11:00.000-08:00

Contando sua história na região Centro-Oeste dos EUA, Inverno da Alma (Winter's Bone, 2010) encontra um elemento humano que se instabiliza entre o urbano e o rural, formando uma rede de conexões de uma terra sem lei, em que Ree Dolly (Jennifer Lawrence) inicia sua caçada por seu pai no submundo do crime, depois que a polícia o declara foragido. Em sua procura, Ree tem de encarar a vida que o pai - um traficante de drogas - deixou para trás, enquanto tenta encontrar respostas para o que lhe aconteceu e uma maneira de não deixar a família entrar em colapso.

Acostumamo-nos a ver um Oeste fervente nos espaços, porém nesta obra essa aridez surge dentro dos personagens, como se a ruralidade tivesse feito emergir um ódio inconsciente do outro, uma incapacidade de ser cordial sem que isso lhe traga algum benefício. Ree tenta a todo custo encontrar seu pai e, posteriormente, encontrar seu corpo morto a fim de manter sua casa e sua família debaixo das suas asas, por mais que tenha de enfrentar os desgostos e a violência das pessoas que lhe cercam, pois sabe que seus irmãos são os bens mais preciosos que ela poderá ter nessa vida dolorida.

Observando o excelente trabalho do elenco, Jennifer Lawrence compõe uma Ree forte, mas deixando que o espectador conheça a humanidade dessa mulher que aprendeu a sobreviver incólume num ambiente que lhe força sempre a se destruir. Assim como Lawrence, Hawkes parece, a princípio, um monstro em forma de gente, mas, posteriormente, conhecemos sua faceta mais humana, porém não com algum momento choroso, mas deixando que o próprio personagem aja naturalmente conforme essa fragilidade.

Granik orquestra todo esse elenco dentro de um roteiro que, por jogar o espectador abruptamente naquele universo sem conhecer suas regras, deixa-o desnorteado à procura de alguém em quem confiar nessa rede imprevisível de atitudes e sentimentos. Como por vezes, acontece nas nossas vidas complexas e intrincadas, sem floreios ou lições de moral.

Buitiful e a beleza da morte

2011-02-20T11:00:00.000-08:00

O diretor mexicano Alejandro Gonzalez Iñárritu tornou-se conhecido por histórias que revelam a dureza do ser humano diante de um mundo que parece lhe exigir sempre um posicionamento de ataque. Geralmente mesclando, através de uma edição não-linear, três núcleos de histórias que, de alguma forma se conectam uns com os outros através de suas diferenças, em Biutiful (Biutiful, 2010) ele se renova ao abolir seu estilo narrativo ao centralizar a narrativa em um único protagonista, deixando que os outros núcleos – formado pelos grupos familiares de chineses e negros – complementem o ponto de vista que ele escolheu.

Ele conta a história de Uxbal (Javier Bardem), pai de família que coordena vários negócios ilícitos - que incluem a venda de produtos nas ruas da cidade e a negociação do trabalho de um grupo de chineses -, além de possuir o dom de falar com os mortos e usar esta habilidade para cobrar das pessoas que desejam saber mais sobre seus entes que partiram há pouco tempo. Uxbal precisa conciliar sua agitada vida cuidando de seus dois filhos – Ana e Mateo -, já que a mãe deles, Marambra (Maricel Álvarez), é instável. Até que, após sentir fortes dores por semanas, ele resolve ir ao hospital, onde descobre que está com câncer e que tem poucos meses de vida.

Deleitando-se no trabalho de Javier Bardem e de Maricel Álvarez, sua acompanhante em cena, Iñarritu compõe um longa sobre a necessidade de se reinventar diante da morte, como um renascimento para o mundo que tanto lhe oprimiu outrora. Uxbal vive em um mundo difícil, em que não pode confiar na própria mulher e não pode deixar que seus filhos fiquem sozinhos depois que morrer: ele precisa olhar para dentro da própria morte para conseguir, enfim, encontrar alguma paz. Em um momento singular do filme, a câmera na mão consegue registrar a autêntica emoção no instante em que Ana descobre que seu pai vai morrer: ao ver o pai cada vez mais doente, ela lhe perguntar o que está acontecendo e ele lhe confessa que não tem muito tempo de vida pela frente. Ele, então, olha fundo nos olhos da menina e lhe fala algumas palavras, mas com um sentimento tão forte que parece transcender a tela e alcançar o espectador em cheio, podendo-se ouvir claramente até a batida forte do coração dos atores em cena.

Sem utilizar os maneirismos visuais e narrativos que se acostumou a fazer, Iñárritu permitiu que a força de seus personagens, atores e história falasse por si mesma, não deixando que sua mão pesada tomasse as rédeas e quem sabe, entornasse o caldo da mistura deliciosa que preparou para seu público, que reage praticamente indefeso diante de uma beleza insuspeita na obra de uma cineasta que se acostumou a ver um mundo tão duro no horizonte.

III Festival do Júri Popular - Competitiva 04

2011-02-19T07:30:00.000-08:00

Eu Não Quero Voltar Sozinho (Daniel Ribeiro, 2010)

Tenso como base um relacionamento amoroso na vida de um deficiente visual, o diretor poderia facilmente cair no estereótipo de tornar a doença uma questão que dificultaria sua concretização, mas prefere direcionar seu olhar sutil para as pequenas situações que essa condição traz para um adolescente. Leonardo apaixona-se pelo colega de classe recém-chegado, mas em nenhum momento, questiona se o rapaz gostaria dele mesmo sendo cego ou se culpabiliza por esse fato. Ele, na verdade, passa por situações que qualquer um de nós faria se estivesse na mesma condição: pergunta a amiga como é a aparência do rapaz ou se ele mesmo é bonito, ele não vê a tristeza da amiga ao confessar a ela os sentimentos que tem pelo rapaz e, ao final, não vê que foi seu amado quem lhe deu o primeiro beijo. Ao invés de ironizar tais situações, o roteirista e diretor Daniel Ribeiro opta por extrair delas sua poesia, tornando sua história de amor universal, independente de qualquer particularidade que possa apresentar.

Transcomunicação (Arthur Tuoto, 2010)

Utilizando de imagens distorcidas a fim de questionar a representação através da própria imagem, seu diretor realiza um trabalho metalinguístico com uma discussão implícita no simbolismo que, se não permite ao espectador um tráfego sentimental, atinge certamente atmosfera reflexiva sobre o aparente poder da imagem de "dizer" quem nós somos.

Fábula das três avós (Daniel Turini, 2010)

Iniciando seu enredo no instante em que a protagonista percebe que não tera mais sua mãe por perto, o curta de ____ traz um verniz infanto-juvenil ao propõr um passeio pelo fantástico através da figura de Ora Ora Ora, que, semelhante ao coelho da famosa história de Lewis Carroll, conduz nossa heróina mirim para encontrar sua verdadeira avó depois de passar por alguns "transtornos" com suas outras avós bizarras. Com fotografia e enquadramento belíssimos e um excelente trabalho de direção de arte e figurino, o diretor conduz um elenco que se desequilibra entre o natural e o teatral para contar uma história que trata da morte como algo negativo, a princípio, mas termina por mostrá-la ao final como algo necessário, por mais que não se queira encontrá-la.

Nalu (Stefano Capuzzi Lapietra, 2010)

Contando com uma trilha sutil e imagens marcantes - principalmente o plano sequência ao final -, o trabalho de ___ deixar o espectador adulto com resquício s de uma nostalgia por uma infância vivenciada com certa singeleza e poesia. Pensar em uma época em que brincar no mar era tarefa para um dia inteiro nos faz relfetir sobre como temos levado nossas vidas: na sobrevivência ou, de fato, na vivência.

Formigas (Caroline Fioratti, 2009)

Baseando-se em fatos ocorridos após a Segunda Guerra Mundial - a derrota do Japão divide a comunidade japonesa em dois grupos radicais que ameaçam aqueles que revelarem que a guerra acabou -, __ equilibra momentos de tensão e alívio ao conduzir a história de uma família japonesa residente no Brasil que, na mesma medida em que precisa enfrentar a infestação de formigas em sua plantação, espera por uma morte anunciada pelos seus próprios compatriotas. O olhar pueril diante da iminente ameaça que o pai recebe deixa o espectador livre da tensão típica do drama, permitindo surgir uma poeticidade e uma singularidade que definem bem a personalidade do trabalho.

Mídia Obsoleta (André Sicuro, 2010)

Tendo como cenário um novo mundo, ___ cria um video protesto que enfatiza o aparente primitivismo da nossa tecnologia diante de um um universo que se recriou à sua própria maneira. Usando uma máscara que remete, de alguma forma, às tradições primitivas dos aborígines, a criança que repete insistentemente "mídia obsoleta" ao longo do curta e destrói fitas de VHS, CDs e toda sorte de mídias talvez não compreenda plenamente a reverberação do que diz, mas o espectador, por mais desgostoso que saia da sessão, jamais esquecerá do paradoxo do alerta que recebeu: quem ou o que de fato permanece em um mundo que sempre se recria?

Intervalo (Alexandre Rafael Garcia, 2010)

Com referências a um observacionismo típico dos documentários, este curta não possui uma trama específica, mas traços de uma história que percorre os intervalos das aulas de um colégio secundarista. Nele, estão presentes os exercícios físicos, as fugas dos rapazes, as brigas de namorados, os desentendimentos, mas todos esses elementos sem nenhum desenvolvimento em particular, exceto por uma repentina briga entre colegas que termina por quebrar a linearidade de um trabalho que permanecia na letargia das relações daqueles adolescentes, como se fosse um grito de alerta para aqueles que não percebem que estão vivos.

RAZ (André Lavaquial, 2010)

Apropriando-se do tema da arte como uma forma de expressão e contestação, este curta desloca a intenção original do diretor – tratar dos adolescentes romenos que cantam nos metrôs em Paris a fim de sobreviver – para outra realidade: as favelas no Rio de Janeiro. Enquanto luta para construir uma vida diferente para si mesmo, RAZ perde seu rádio no meio da cidade e encontra, através das estátuas vivas, outra ferramenta - uma vitrola e discos de vinil - que pode lhe proporcionar a sobrevivência. Com imagens que mesclam sonho e realidade com muita propriedade, Lavaquial realiza uma jornada musical por diversos ritmos ao longo de um dia na vida de um adolescente que deseja simplesmente sair, escapar de uma vida de desconforto e melhorar. Contudo, talvez seu impacto fosse maior se sua proposta original fosse executada, já que esta estratégia de sobrevivência já se tornou usual no Brasil, mas observar este tipo de trabalho na França é algo diferente e que causaria um estranhamento que favoreceria a mensagem do curta.

III Festival do Júri Popular – Competitiva 03

2011-02-18T07:28:00.000-08:00

Garoto de Aluguel (Tarcísio Lara Puiati, 2009)

Tratando da exploração do corpo humano de diversas formas, este curta emprega uma edição não-linear que quebra a expectativa e “desterritorializa” a percepção temporal do espectador, como se o conduzisse para uma esfera onde a lógica permanece sempre sendo quebrada pelas tentativas de posicionamento emocional. A câmera na mão e a fotografia granulada em alguns momentos conseguem ser os maiores destaques que peca pelos diálogos nonsense que dispersam a narrativa ao invés de concentrá-la, algo enfatizado pelos atores que pouco mergulham na sua arte de maneira satisfatória, permanecendo na superfície dos estereótipos.

Como é bonito o elefante (Lucas Barbi e Juruna Mallon, 2010)

Influenciado pelo naturalismo intimista que tem tomado conta da cinematografia européia, este curta acompanha o retorno de sua protagonista ao seu lugar de origem, mas com uma profunda sensação de distanciamento em relação ao lugar que um dia deixou, como se ele não lhe pertencesse mais ou vice-versa. De modo aparentemente simples, mas que reserva boa dose de reflexões existenciais, os diretores conseguem conduzir o espectador por essas emoções e questionar a própria sensação de ocupar um lugar no espaço e as consequências emocionais desse fato.

Peixe Pequeno (Vincent Carelli e Altair Paixão, 2010)

Caminhando por dentro do cotidiano de uma aldeia indígena, o diretor leva o espectador por um passeio ligeiro e leve sobre as mudanças nos hábitos dos seus residentes: enquanto os mais velhos se ocupam com a pescaria, vemos as crianças e adolescentes ansiando e brigando por mais um gole de Coca-Cola, o menino que aprende a vestir uma camiseta e outras imagens que nos levam a refletir sobre a aceitação de mudança na cultura aborígene. O que será que acontece quando hábitos de outros lugares transitam por um lugar que antes foi intocado: a agregação ou substituição de uma cultura pela outra?

Fantasmas (André Novais Oliveira, 2009)

Mostra-se como um convite à intimidade de dois amigos, que, partindo de uma conversa banal, terminam por conduzir o espectador por um caminho onde a dor/desejo do protagonista revelam-se através do que não está na tela, mas que se espera que esteja. Questionando a relação do homem com a imagem de maneira simples, mas ao mesmo tempo reflexiva, o espectador, ao final do curta, percebe que nem sempre a história precisa acontecer diante da câmera, mas em torno dela.

Haruo Ohara (Rodrigo Grota, 2010)

Focando na reconstituição das fotografias do artista japonês Haruo Ohara (1909-1999), este curta concebe belos quadros vivos com uma fotografia belíssima que leva o espectador ao prazer do olhar. Com um roteiro que pouco explica sobre seu objeto de estudo, mas prefere deixar que o espectador o sinta, termina deixando o público que não conhece o trabalho do fotógrafo um pouco perdido na proposta do diretor.

A Inventariante (Patricia Francisco, 2010)

Sugerindo um aparente frieza do processo de inventariar os objetos pertencentes à avó e que agora lhe forma entregues por herança, a protagonista conduz o espectador na criação de suas próprias lembranças, tentando compartilhar o significado que aqueles objetos tem para ela. A melancolia de Chopin, no entanto, termina sendo relegada à tarefa ingrata de emocionar o espectador que não consegue se envolver de fato com a proposta da diretora, justamente, por não conhecer o valor simbólico destes bens. Talvez somente aqueles espectadores que tenham recebido heranças emocionais de entes queridos que terminaram indo embora e deixando signos desses momentos que um dia compartilharam.

Recife Frio (Kleber Mendonça Filho, 2009)

Baseando-se nos cinejornais do início do século XX, Kleber Mendonça Filho realiza um mockumentary com toques de ficção científica ao propor imagens e depoimentos de uma situação particularmente nonsense, se vista nos dias atuais: o Recife como uma cidade onde as mudanças climáticas terminam por mudar toda sua concepção como lugar tropical. O humor nonsense do diretor traz cargas de um Monty Python mais contido, mas que se universaliza ao trazer à baila ícones reconhecidos tanto local como globalmente. Uma sessão divertida e que também carrega em si um pouco de crítica social sutil

III Festival do Júri Popular – Competitiva 02

2011-02-17T10:41:00.000-08:00

Ela veio me ver (Essi Rafael, 2010)

Uma atípica comédia romântica por não seguir estritamente a cartilha que contem todos os clichês do gênero, este curta une dois adolescentes indecisos e inseguros a respeito de seu atrativos e do amor do outro. Equilibrando com certo humor a aparente banalidade do enredo, Rafael não consegue extrair dos atores uma grande interpretação, mas realiza belos enquadramentos e emprega soluções gráficas inventivas e adequadas ao universo que ele construiu, que capturam bem os momentos de singeleza e reflexão que os protagonistas atravessam.

Geral (Anna Azevedo, 2010)

Equilibrando um tom observacional com alguns depoimentos que injetam mais humanidade no retrato a que se propõe, Anna realiza um curta-metragem que conquista pela possibilidade de realizar um outro olhar sobre o ritual do jogo de futebol: as reações da torcida. Enquadrando imagens tensas e cômicas, a diretora celebra as componentes de um rito que universaliza todos os seres que comungam dos diversos sentimentos que o constituem com destreza e perspicácia.

Izamara (Diogo Hayashi, 2010)

Utilizando-se de um traço denso e tenso que, além do preto e branco, traz à tona uma animação quase palpável, Hayashi mostra um cotidiano sujo e solitário permeado por uma nostalgia pelo outro que se foi. Com planos mais longos do que o habitual e sons do cotidiano que criam com propriedade uma sensação lúgubre, o tempo parece se dilatar na tentativa de prolongar ao máximo a intensidade com que o protagonista estagna-se naquela atmosfera decrépita. A ausência de expressão dos atores permite ao espectador inferir a respeito do que, de fato, estava em jogo naquelas sensações: desprezo ou alívio pela mulher que um dia volta para onde estava?

O Som do Tempo (Petrus Cariry, 2010)

Na sequidão nordestina, o espectador mergulha sem medo na realidade miúda que o diretor exibe através de uma inspirada paleta de cores e monocromias e uma sonoridade quase sólida de tão presente, composta pelos sons diegéticos. O aparente vazio do sertão preenche aqueles que nele vivem com uma infinidade de tempo, enquanto que, aqueles que habitam na verve urbana, permitem-se esvair suas vontades diante de uma metrópole que parece lhes oprimir. Sem se prender ao ambiente sertanejo onde se fundamenta, o curta se universaliza ao deslocar sua câmera pelo mínimo, pelo zoom extremo ao cotidiano, onde sons e ritmos triviais compõem uma sinfonia sobre a própria passagem dotempo: ele não nos pertence, mas somos nós que caminhamos por sua estrada.

147 (Marcelo Tannure, 2010)

Embasando-se no gênero anedota, Tannure compõe uma animação 3D despretensiosa, que se pauta em interpretações cativantes e uma trilha sonora divertida a fim de trazer o espectador para um universo onde o descabido e o estrambólico tornam-se chave mestra para extrair o humor. Mesmo que seja mais curto do que o imaginado, torna-se agradável perceber como ele não estende seu enredo para além do necessário, mas conseguindo ser preciso em sua formatação.

Tempestade (Cesar Cabral, 2010)

Empregando técnicas de stop motion, Cabral conta a história de um navegante solitário que parte em um barco em busca de sua amada e precisa enfrentar uma tempestade a fim de cumprir seu intento. Com imagens muitíssimo bem construídas e um design de som perfeito, o curta ainda se utiliza de uma trilha sonora que reforça o aspecto melancólico de um quadro que parece estar vivo diante do espectador. Mesmo desesperançado ao não conseguir cumprir sua missão, o navegante se entrega à deriva de um amor vivenciado e o desejo do reencontro.

A Noite por Testemunha (Bruno Torres, 2009)

Realizando a reconstituição de um fato que chocou o Brasil, o curta de Bruno Torres mescla presente e passado através de atuações naturalistas e uma edição não-linear que compõem um quadro tenso da juventude niilista que terminamos criando. Se a voz do diretor “aparece” no tom policialesco de alguns momentos, deve-se à tentativa de forçar uma “moral/ironia” para o que acontecia, algo desnecessário quando toda a mensagem estava mais do que explícita através de tudo o que ele havia construído.

Tetro e o renascimento de um artista

2011-02-16T09:40:00.000-08:00

Realizador de grandes épicos humanos como O Poderoso Chefão e Apocalipse Now, Francis Ford Coppola procurava equilibrar retratos de pessoas que tinham escolhas complicadas em sua vida com grandes acontecimentos, geralmente ligados ao confronto do outro – seja guerra, máfia ou a investigação.

Em Tetro (idem, 2010), seu mais recente trabalho, o diretor transborda tensão e sentimentalismo em uma Argentina atemporal para pôr em cheque as lembranças que tinha de seu irmão, compondo seu filme mais autobiográfico até o momento. Ele conta a história do ingênuo Bennie (Alden Ehreinreich), de 17 anos, que chega a Buenos Aires devido a um problema no navio onde trabalha. Ele aproveita o ocorrido para encontrar seu irmão mais velho, Angelo (Vincent Gallo), que resolveu tirar um ano sabático para escrever e nunca mais entrou em contato com a família. Bennie consegue encontrá-lo, mas Angelo não é mais a mesma pessoa: ele abandonou seu nome de batismo e agora atende apenas por Tetro, tendo se tornado uma pessoa de temperamento difícil e que esconde seu passado. Entretanto, o período em que Bennie vive com ele e sua namorada Miranda (Maribel Verdú) faz com que relembre experiências do passado, como o acidente de carro que vitimou a mãe de Tetro, assim como o relacionamento difícil deste com o pai.

Tetro tentou durante muito tempo escrever a “obra” de sua vida, no período em que esteve internado em um hospital psiquiátrico, quando, descoberto por Miranda, foi arrebatado para uma existência de isolamento, através da qual somente sua amada possui a chave. No entanto, Bennie tem o desejo e a insistência de participar de fato da vida do irmão e, por fim, conhecê-lo, o que vai fazer através da “obra” que seu irmão demorou tanto tempo para escrever e que terminou abandonando. Trazendo-a à tona através de um grupo de teatro burlesco, Bennie tenta atrair os holofotes para o irmão e, quem sabe, salvá-lo de sua tentativa de ostracismo.

Com uma belíssima fotografia, enquadramentos precisos e uma edição fluente e um elenco competente, Coppola constrói com firmeza e cada personagem, assim como consegue escolher e conduzir bem seus intérpretes, mesmo que escorregue no melodrama em alguns momentos. Parecendo ter sido influenciado pelo estilo brega e exagerado do teatro que homenageia em certos momentos do longa, Coppola, no entanto, parece escorregar em uma reviravolta almodovariana para sua história, levando o espectador para um estranhamento diante do que acabou de presenciar.

Parece que estamos diante do renascimento de mais um autor e todo renascimento pede alguns passos tortos, imprecisos, até que se consiga firmar uma obra completa.

III Festival do Júri Popular – Competitiva 01

2011-02-16T06:48:00.000-08:00

Angeli 24h (Beth Formaggini, 2010)

Contando com uma edição dinâmica que se alterna em momentos velozes e lentos para compor um cenário aparentemente caótico que tenta traduzir as sensações do criar que Angeli sente na sua criação. O famoso cartunista comenta as influências para sua arte – em sua maioria, Laerte e, estranhamente, Bob Dylan - e as mudanças que experimentou ao longo de sua trajetória - como a chegada da maturidade e a decisão de matar personagens icônicos como Rê Bordosa. A sensação do espectador ao final do curta é de uma saudade compartilhada, como se fossem pouquíssimos minutos para falar de um artista e uma obra que influenciam e são influenciada pela sociedade veloz e fragmentária, mas principalmente pelos tipos que ele encontra na rua, como ele mesmo.

A Dama do Peixoto (Douglas Soares e Allan Ribeiro, 2010)

Há pessoas que deixam sua marca em outras pessoas, em situações e em lugares, como a personagem título deste curta singelo e cativante, em que depoimentos de diversas pessoas de um bairro de Copacabana atiçam a imaginação do público a respeito de uma mulher que freqüenta assiduamente a praça do lugar. Sem vermos nem o rosto dos depoentes nem da senhora em questão, a diretora utiliza-se de uma edição simples, porém fluida, de diversas imagens da praça a fim de que o espectador crie em sua mente uma imagem particular e única da controversa mulher que, por suas atitudes e comentários, marca o cotidiano daquelas pessoas... e, por fim, o nosso.

Amigos Bizarros do Ricardinho (Augusto Canani, 2009)

Ressaltados através de um cotidiano comum de uma agência de publicidade – mais especificamente, o trabalho do arte-finalista -, os elementos excêntricos que o estagiário da empresa traz para os outros empregados terminam por resgatar um caráter humano que havia se perdido ao longo do tempo naquele lugar. Se o restante do elenco consegue ser apenas “correto”, a fragilidade bem humorada do protagonista cativa o espectador desde o início, deixando nas mãos de Canani um roteiro enxuto e bem desenvolcido, uma edição criativa e uma trilha sonora marcante que conseguem extrair humor leve e uma sutil reflexão no espectador sensível.

Só mais um filme de amor (Aurélio Aragão, 2010)

Composto por videos caseiros feitos em câmeras digitais, Emanuel e Gabriela se utilizaram da tecnologia para enviar “cartas de amor” audiovisuais um para o outro desde o momento em que precisaram se separar – ela, em Paris; ele, no Rio de Janeiro – até o inevitável reencontro de ambos seis meses depois. Passando pelos momentos de descontração diante da câmera – onde a intimidade compartilhada se fazia presente através de performances bem-humoradas de ambos – e encarando o vazio de um distanciamento de diálogo, Aragão mescla com fluidez as imagens e os depoimentos dos personagens, conquistando o espectador com a imagem que denota o reencontro dos dois.

Contagem (Gabriel Martins e Maurilio Martins, 2010)

Sendo desenvolvido através de uma edição não-linear, este trabalho encara quatro pontos de vista sobre uma história onde nada consegue ficar muito claro para o espectador. As virtudes e vicissitudes de seus personagens ora transparecem ou se escondem através de uma obra que engana o espectador inicialmente ao mostrar uma mudança repentina através do acaso, mas em seguida exibe uma intenção por trás deste mesmo acaso. Com boa fluência na montagem, a direção de atores não surpreende, mas consegue resumir bem o principal mote do curta: nenhuma ação está isenta de intenção ou responsabilidade: basta que conheçamos o ponto de partida de uma para tentar compreender seu efeito.

III Festival do Júri Popular – Mostra Hors-Concours

2011-02-16T04:58:00.000-08:00

Eletrodoméstica (Kleber Mendonça Filho, 2005)

Tratando da gradativa humanização dos objetos inanimados do nosso cotidiano e da nossa conseqüente desumanização diante da obsessão pela maquinaria, o curta, com certa dose de sutileza e bizarrice, mostra como os eletrodomésticos deixam de ser somente extensões do nosso corpo, mas influenciam diretamente em nossas escolhas e atitudes. Com uma edição fluida e um roteiro bem desenvolvido, o cinema ao mesmo tempo simples e simbólico de Mendonça Filho universaliza o dia-a-dia chinfrim e brega da dona de casa adicionando o excêntrico como algo banal e, de certo modo, compreensível.

Vida Maria (Márcio Ramos, 2006)

No imenso plano sequência de que se compõe o curta, percebe-se como a vida sertaneja caminha por um movimento perpétuo onde a paradoxal estase do lugar dita o tamanho e a trajetória dos sonhos e dos desejos de seus habitantes. Enquanto a letra e a identidade poderiam nos levar para outros lugares e realizações, as carências terminam por construir um muro tão grande diante de nossas casas que não conseguimos enxergar além da terra seca e dos animais famintos. Além desta, tantas outras Marias, mães e mulheres viveram, vivem e viverão esta mesma realidade dolorida, sem a perspectiva de conseguir mudar.

Onde andará Petrúcio Felker? (Allan Sieber, 2001)

Composto por depoimentos de amigos, inimigos e familiares do famigerado artista plástico Petrúcio Felker, este mockumentary satiriza os performers surgidos na década de 60 e que se tornaram mais visíveis nas décadas seguintes. Contando com um elenco de famosos como Paulo Betti, Paulo Cesar Pereio e Regina Casé, o curta expõe um escracho divertido que conquista facilmente o público com suas tiradas que ora optam pela sutileza ora escancaram vísceras para descambar para o humor negro.

A Invenção da Infância (Liliana Sulzbach, 2000)

Com um mote doloroso – “Ser criança não significa ter infância” – este documentário mostra os altos e baixos de uma nação que se acostumou a ver seus infantes misturando os limiares da juventude e da vida adulta. Ao adquirirem responsabilidades típicas do mundo do trabalho, as crianças deixam de seguir o curso natural de se relacionarem com o mundo através do próprio brincar, pois terminam envelhecendo mais cedo do que deveriam. Agregando elementos históricos – como a evolução do conceito de infância desde o Renascimento até a atualidade – e depoimentos de crianças e mães de diferentes contextos sociais, a diretora consegue expor o painel de uma infância que precisa se reinventar para que possa ser plenamente vivenciada.

Tradicional X Controverso em O Discurso do Rei

2011-02-15T05:27:00.000-08:00

Quando se pensa em tradição, fala-se prontamente em transmissão de práticas ou de valores através de gerações, contudo, em nenhum momento, esta prática exclui a proposição de novas crenças e hábitos pelos próprios participantes da sociedade. A partir dessa idéia, pode-se analisar as maiores qualidades e deméritos da obra O Discurso do Rei (The King’s Speech, 2010).

Apresenta como principal mote a história de George VI (Colin Firth), sucessor do seu pai na monarquia britânica, mas que apresenta um grave problema de fala, algo inadequado para um governante que precisa transmitir segurança e autoridade através dos discursos que proferirá. Depois de passar por diversos tratamentos sem resultados positivos, sua esposa, Elizabeth (Helena Bonham Carter), leva-o até Lionel Logue (Geoffrey Rush), um terapeuta de fala de métodos controversos. Lionel despe a si e ao rei de todas as regalias que sua condição exigiria e se coloca de igual para igual com George, atuando como seu psicólogo e amigo. Seus exercícios e desafios fazem com que o rei adquira autoconfiança para cumprir seu maior desejo: ser aceito não somente como rei, mas como um ser humano.

Tom Hopper, emerso da televisão britânica, traz para sua convencional escrita fílmica o clima austero da monarquia, em que os enquadramentos privilegiam o equilíbrio e a estase, não permitindo que a história, em alguns momentos, tome vida própria diante da tela. Apoiado pela excelente trinca de atores – Firth, Rush e Bonham Carter -, o diretor equilibra momentos cômicos e dramáticos com obviedade e parece não saber conduzir os enquadramentos nem sua edição, optando por um cinema “correto” que não surpreende o espectador contemporâneo. Entretanto, ele não perde seu frescor somente pela força de seu elenco e da refinada construção cênica – direção de arte, figurinos, fotografia -, mas que, em conjunto, torna-se muito pouco para deleitar olhares mais críticos.

A obra de Hopper, mesmo de tratando da superação da tradição por pessoas que “não se encaixam” nos padrões convencionais, peca pelo paradoxo de estacionar no uso da linguagem fílmica ao não empregá-la com total desenvoltura através do espaço que dispunha.

O Vencedor e os filmes de superação

2011-02-10T06:08:00.000-08:00

Da longa tradição dos filmes de esporte, podemos encontrar diversos exemplares, onde a superação dos limites físicos torna-se tema central a ser desenvolvido através da narrativa. No entanto, quando se observa a história de O Vencedor (The Fighter, 2010), percebe-se que, por mais que todos seus elementos típicos estejam dispostos, esta obra consegue dialogar com frescor e maturidade além da simples história motivacional que acomete tantos outros filmes do gênero.

Empregando uma linguagem propositadamente metalingüística, David O. Russell começa mostrando os bastidores das gravações de um documentário sobre Dicky Ecklund (Christian Bale), pugilista que teve seu auge ao enfrentar o campeão mundial Sugar Ray Leonard, vivendo até hoje desta fama, apesar de ter desperdiçado a carreira devido às drogas. Com o passar do tempo, passa a focar na trajetória de Micky Ward (Mark Wahlberg), seu irmão, que tenta agora a sorte no mundo do boxe, sendo treinado por Dicky e empresariado por Alice (Melissa Leo), sua mãe. No entanto, sua família sempre o coloca em segundo plano em relação a Dicky, o que impede que Micky consiga ascender no esporte. Essa situação muda quando ele conhece Charlene Fleming (Amy Adams), que o incentiva a deixar a influência familiar e tratar a carreira de forma mais profissional.

Com um título brasileiro pouco sutil e uma estrutura convencional, Russell destila sua linguagem dinâmica e despretensiosa não para ironizar as figuras com que lida na sua história, como ocorria em Três Reis (Three Kings, 1999), mas para torná-las mais próximas de si mesmo e, por conseqüência, do público. Seu quarteto de atores torna-se o maior destaque do longa: enquanto Mark Wahlberg conduz seu Micky com paradoxal fragilidade e devoção diante daqueles que ama e Amy Adams equilibra-o com a força e o destempero de Charlene, tudo que seu amado necessita para fugir dos laços de fracasso que sua família construiu em torno dele. Contudo, reside na contundência de seus coadjuvantes sua maior força: Christian Bale constrói uma personalidade magnética e destrutiva para o fracassado e viciado Dicky, enquanto Melissa Leo doma a platéia com o retrato apaixonado e agressivo de Alice, uma mãe que não concebe as consequências da péssima administração que faz da carreira do filho.

Depois de ver a ascensão do protagonista no longa, o espectador percebe que os maiores desafios enfrentados por Ward não foram somente no ringue de boxe, mas dentro das paredes familiares, onde, considerando-se protegido, não percebia quão nocivas podem ser determinadas convivências, por menos intencionais que sejam. Ele aprendeu a gritar com sua voz, mas principalmente, os momentos de silenciá-la para liberar o perdão para criaturas tão humanas quanto ele mesmo. Mergulhando abruptamente no universo real e denso de suas personagens, Russell cria uma obra que reflete sobre a construção de uma identidade e os sacrifícios que realizamos na tentativa de alcançar o que desejamos. Wahlberg, Bale, Leo e Adams participam com tamanha veracidade sesta experiência que, por vezes, esquecemos que estamos diante de uma tela e nos permitimos acompanhar as escolhas certas e erradas destas pessoas como se fossem uma parte de nós.

O Pesadelo da Perfeição - Cisne Negro

2011-02-10T04:20:00.000-08:00

Medalhas de Honra. Prêmios. Honrarias. Além do reconhecimento por um trabalho bem realizado ou uma postura correta diante de alguma situação, estas recompensas trazem embutidas uma visão da identidade daquele que a recebe: de ser uma pessoa íntegra e merecedora daquele título. Contudo, a situação se complica quando o premiado torna-se escravo da imagem que os outros criaram para ele, fazendo-o viver em função dela para conseguir alcançar honrarias maiores.

Essa reflexão inicial está implícita na mais nova obra perpetrada por Darren Aronofsky, cineasta conhecido por seus passeios pela mente humana, seja calcado em retratos mais realistas – O Lutador (The Wrestler, 2008) – ou construções a partir de um ponto de vista deslocado da sociedade – Pi (idem, 1998) -, mas por vezes, mostrando o desequilíbrio entre sonho e realidade, como no seu Cisne Negro (Black Swan, 2010), em que Natalie Portman encara o tour de force de dar vida à Nina Sayers, bailarina de uma companhia de Nova York. Sua vida, como a de todos nessa profissão, é inteiramente consumida pela dança: ela mora com a mãe, Erica (Barbara Hershey), bailarina aposentada que incentiva a ambição profissional da filha. O diretor artístico da companhia, Thomas Leroy (Vincent Cassell), decide substituir a primeira bailarina, Beth MacIntyre (Winona Ryder), na apresentação de abertura da temporada, O Lago dos Cisnes, e Nina é sua primeira escolha. Mas surge uma concorrente: a nova bailarina, Lily (Mila Kunis), que deixa Leroy impressionado.

Como a representação do Cisne Negro requer que Nina se desfaça da imagem que se acostumou a carregar durante tanto tempo, seja pela criação superprotetora da mãe ou pela disciplina que o ballet lhe exigiu durante toda sua jornada, de que ideal de perfeição ela precisa se desvencilhar: a perfeição de sua vida fora dos palcos ou da sua Arte? Mergulhando nesse pesadelo expressionista, Aronofsky conduz, assim como em Requiem for a Dream (2000), uma protagonista que se entrega de tal forma à realização de um desejo que sua consciência parece se anestesiar das consequências que dele emergem. Utilizando de uma trilha sonora sufocante, uma edição dinâmica e refinada e uma mise-en-scène surpreendente, a câmera na mão de Aronofsky acompanham uma Natalie Portman que equilibra desconforto e transformação a fim de construir um retrato distorcido da humanidade que a cerca através da mente de Nina Sayers, cujo desejo de perfeição a encaminha para uma metamorfose kafkaniana e autodestrutiva.

Um cinema densamente psicológico, poderoso e, por que não dizer, até perigoso como um sonho que, por vezes, torna-se real demais para ser ignorado.

Unbreakable e a fantasia realista de Shyamalan

2011-01-20T10:01:00.000-08:00

No seu segundo longa – depois do sucesso estrondoso de O Sexto Sentido (The Sixth Sense, 1999) -, M. Night Shyamalan decidiu contar em Corpo Fechado (Unbreakable, 2001)uma história fantástica, mas mantendo a estética realista que tornou seu filme de estréia tão alardeado.

Retratanto com humanidade o universo das histórias em quadrinhos, o filme tem início quando acontece um espantoso desastre de trem choca os Estados Unidos, em que todos os passageiros morrem, exceto David Dunn (Bruce Willis), que escapa ileso do acidente, para espanto dos médicos e de si mesmo. Buscando explicações sobre o ocorrido, ele encontra Elijah Price (Samuel L. Jackson), um homem com uma estranha deficiência – seus ossos quebram facilmente como vidro - que apresenta uma explicação bizarra para o fato: ele é um super-herói.

De início relutante, Dunn começa a compreender suas habilidades ao longo do enredo, na mesma medida em que precisa resolver as pendências de seu casamento com Audrey (Robin Wright Penn) e enfrentar um assassino que está à solta na cidade. Shyamalan, a fim de conduzir sua dramática história de super-heróis por um viés realista, reconstrói elementos e enquadramentos típicos das HQs à sua própria forma. Observe como sempre utiliza os elementos da mise en scène para colocar o herói David Dunn em "quadrados" – ou requadros nas HQs - e utilizando capas e apresentar visualmente Elijah "Sr Vidro" Price através de vidrarias (espelho, televisão etc).Da mesma forma, equilibra esses elementos com parcimônia, sem se utilizar de uma edição frenética ou ângulos inusitados para forçar uma identificação da arte sequencial na construção de sua dramaturgia visual.

Um cineasta que soube tratar da necessidade de superação da condição humana através da criação de mitos maiores do que si mesma, mas que terminou se perdendo ao longo do caminho dos deuses.

Namorada de Aluguel e a ascensão nerd

2011-01-12T07:39:00.000-08:00

Visto depois de tantos anos depois de seu lançamento, podemos encaixar Namorada de Aluguel no que se pode classificar como “filmes da ascensão nerd”, preconizados neste e em tantos outros longas que lhe sucederam.

Contudo, se nos anos 80 e 90, os protagonistas geralmente eram motivo de escárnio por conta de suas maneiras e seu deslocamento social – vide A Vingança dos Nerds -, hoje eles estão sendo estudados como personagens tridimensionais – vide A Rede Social -, indo além do simples estereótipo perpetuado por filmes como Superbad e séries como The Big Bang Theory.

Neste longa, temos a história de Ronald Miller (Patrick Dempsey), um jovem tímido e trabalhador que sempre sonhou em ser popular no colégio. Quando ele descobre que Cindy Mancini (Amanda Peterson), uma garota linda que todos os garotos paqueram, está precisando de 1000 dólares ele surge com uma insólita proposta: empresta o dinheiro a ela e em troca ela deverá fingir ser sua namorada, para que ele alcance a popularidade almejada.

As diferenças que podemos apontar entre este exemplar e os mais modernos podem ser resumidos em dois tópicos que se complementam: a aceitação de sua identidade e a conseqüente ascensão na soceidade. Enquanto que nos idos de 80 e 90, o principal desejo destas figuras era se transformar em pessoas diferentes de si mesmas a fim de alcançarem a popularidade, hoje, percebemos não somente uma aceitação do nerd em sua condição e identidade, mas uma superação dos estereótipos do gênio da informática ou ciências exatas para obter o status de empresários criativos e milionários.

Esta mudança ocorre por conta de uma sociedade que viu Steve Jobs, Bill Gates e, mais recentemente, Mark Zuckerberg ascenderem meteoricamente por conta de suas invenções, e não por uma renegação de suas personalidades deslocadas socialmente. Interessante presenciar as mudanças que as representações culturais demonstram quando a sociedade passa a se ver no cinema.

Joe Dante e o fantástico trash infanto-juvenil

2011-01-12T06:49:00.000-08:00

Com uma filmografia que inclui títulos como Meus Vizinhos São Um Terror, Gremlins e Viagem Insólita, percebe-se que Joe Dante sempre procurou tratar de temas fantásticos, mas trazidos para o cotidiano dos subúrbios, de gente comum em situações extraordinárias, como um thriller de proporções ilimitadas.

Em Viagem ao Mundo dos Sonhos, os sonhos visionários de três meninos curiosos e aventureiros transformam-se em uma excitante realidade, numa mistura que combina humor inteligente, afeto e fantasia, com inesperadas reviravoltas. Em seu improvisado laboratório, os garotos usam sua genialidade e também uma surpreendente descoberta para construir sua própria nave espacial e lançarem-se em uma fantástica viagem interplanetária, repleta de seres alienígenas e equipamentos eletrônicos.

O trio de protagonistas – formado por River Phoenix, Ethan Hawke e Bobby Fite – segura a simplicidade do longa com propriedade, representando bem os estereótipos com que precisam lidar. Eles carregam com afeto a missão de dar vida àqueles jovens inocentes e sonhadores, revelando uma inocência perdida em algum lugar no tempo na sociedade contemporânea. Além disso, Dante moderniza a ficção científica dos anos 50 e a contextualiza para o cotidiano daquelas crianças. Se hoje, encaramos como plena fantasia os desvarios eletrônicos de Jimmy Neutron e Dexter, a intenção do diretor era de tornar o mais palpável possível aqueles que teve durante sua infância.